Después de cantar en uruguay, Noa llega por primera vez a Argentina

(*) Ahinoam Nini (41), conocida como Noa, es la cantante israelí más reconocida fuera de las fronteras de su país. Si bien en América Latina su inminente llegada es prácticamente el primer paso, esta artista ya es famosa en España y EE.UU y conocida en varios países de Europa.
Ha grabado la versión española de la banda sonora de "La vida es bella" y ha actuado y grabado junto a cantantes como Sting, Joan Manuel Serrat, Miguel Bossé y varios más de orígenes diversos y en variados idiomas. También ha compartido micrófono con el cantante uruguayo Jorge Drexler. Con Khaled grabó una versión en hebreo y árabe de "Imagine" de John Lennon.
Noa ha cantado en el Carnegie Hall y el Avery Fisher Hall en Nueva York, en el teatro Olympia de París, en el Coliseo de Roma, en el Barbican de Londres, en el Zellerbach Auditorium de San Francisco, en el Ravinia Festival de Chicago, en los festivales suizos Montreaux Jazz Festival y Paleo Music festival, en el Palau de la Música en Barcelona, en el North Sea Jazz Festival y el Carre Auditorium en Holanda y el Water Festival de Estocolmo, y en muchos más afamados lugares.
En 1994 Noa cantó su versión del "Ave Maria" ante 100.000 personas y una audiencia televisiva de millones en el acto final del "Año de la familia" en el Vaticano ante la atenta mirada del Papa Juan Pablo II. Cuando el Sumo Pontífice falleció, Noa fue invitada en Roma a cantar en el programa de homenaje a su memoria que produjo la más importante televisión italiana.
Su primer CD fue publicado en 1991 con el titulo "Ahinoam Nini y Gil Dor en vivo", incluyendo el nombre del guitarrista y compositor que la acompaña siempre, también en este viaje. A él se suma en esta gira el percusionista Gadi Seri. Su segundo disco fue Disco de Platino en Israel, pero fue el tercero, titulado "Noa", el que la lanzó a la fama internacional, lo cual abrió la vertiente mundial en forma clara a toda su producción.

Entrevista
A continuación, publicamos el diálogo mantenido con Noa varios días antes de su gira a Sudamérica.
-Ahinoam, tu trayectoria en Europa y EE.UU es conocida, pero en Sudamérica lo es menos. ¿Cómo quisieras presentarte?
-Yo diría que es relevante, antes de llegar, contar sobre el trabajo conjunto que he hecho con el cantante español, catalán, Joan Manuel Serrat, que sé que es muy querido en Sudamérica. Somos amigos y estamos hablando de grabar juntos un álbum completo. Espero que se concrete. Serrat es un gran artista y una gran persona.
-Los dúos que has hecho con él están también en youtube y vale la pena conocerlos...
-Te cuento además que hay varias canciones mías que tradujimos y que canto justamente en español. Son "Otra vez", "Uno queriéndose a dos" y "Es caprichoso el azar". También canto en español una canción muy conocida, "La vida es bella", el tema de la película con ese nombre que interpreté con Miguel Bossé. Sé que no todo el público sudamericano me conoce, pero hay de antemano varias cosas que puede tomar como elementos de identificación.
-¿Qué traes de ti misma a Sudamérica, además de esa buena tarjeta de presentación que es haberte presentado con estrellas de la canción de España?
-Ante todo quisiera decir que me emociona muchísimo viajar a Sudamérica. Estuve allí en alguna gira pero más reducida y creo que la que emprendo ahora es la más importante. Yo diría que traigo, ante todo, un elemento cultural interesante, porque combino tres culturas en mi propia identidad: el origen yemenita de mi familia, el idioma hebreo y el inglés. Las raíces yemenitas de mi familia las palpé en mi hogar. Nací en Israel y cuando era pequeña mi familia se mudó a EE.UU donde crecí de niña. A los 17 años volví a Israel y desde entonces vivo aalí. Claro que hablo en hebreo y canto en hebreo.
-Aquí la combinación va más allá del tema idiomático...
-Realmente considero que a través de la música combino los tres idiomas y las tres culturas. Me parece que más allá de la belleza artística que eso supone, tiene también un gran simbolismo. Es que en el mundo de hoy, uno de los grandes desafíos es hallar la forma de tender puentes entre las distintas culturas, de hacer posible la armonía y el amor entre los hombres. Creo que en la música logramos hacerlo mejor que fuera de este campo.
-Ahinoam, más allá del mensaje cultural y casi diría humano de tu música, precisamente por esa combinación a la que hacías referencia ¿qué características especiales tiene tu espectáculo desde un punto de vista musical propiamente dicho?
-Creo que hay un ritmo singular. Yo misma toco instrumentos de percusión; lo que mejor sé hacer después de cantar. El tema del ritmo es clave en nuestra presentación. Yo toco "congas" y "darbukas", una combinación de América Latina y Oriente Medio.
-En esta gira tu llegas a Uruguay, Brasil, Argentina y Chile. ¿Hay en tus presentaciones elementos propios de cada lado que adaptas a cada país?
-No. Debo admitir que no soy una conocedora tan a fondo de la música latinoamericana y por eso por ahora no es que puedo distinguir entre todos sus ritmos y tonos. Pero además, lo que presentamos es nuestro espectáculo, claro que incluyendo canciones en español más de lo que canto en otros países. Pero también canto en hebreo, en yemenita, en inglés. Quizás la clave sea comentar que traemos arte, no es que vengo a tratar de lograr que el público aplauda. Al respecto quisiera citar justamente a un escritor latinoamericano que me apasiona, Gabriel García Márquez, que dijo una vez que el rol del artista es determinar un nivel elevado y lograr que la gente se acerque a él, no ir hacia abajo para buscar allí a la gente. Por eso, queremos traer las canciones que más especiales nos parecen, que consideramos como las más emotivas, y acercar a la gente a nosotros.
-Tu traerás una combinación cultural entre los distintos elementos que están en tu vida y en tu creación. ¿Pero dirías que tu identidad es solamente israelí?
-Sí, soy israelí, no norteamericana ni yemenita. Soy israelí con raíces yemenitas y con trasfondo de EE.UU por los años que viví allí. Por eso hablo inglés, me gusta mucho el idioma, siento que tuve mucha influencia de grandes cantantes de los años '60, como Leonard Cohen, Paul Simon y otros; quizás fueron los que más influyeron en mi creación. Pero soy israelí y estoy orgullosa de ello.
-¿Y eso significa que lo más cómodo para ti es escribir y cantar en hebreo?
-No, lo más cómodo para mi es escribir en inglés, porque aprendí a leer y escribir cuando estaba en EE.UU y el inglés es el idioma que domino con más soltura. Claro que canto en hebreo, pero en general se trata de poesía para la que yo compongo música. Así lo hice por ejemplo con los poemas de la gran poetisa Lea Goldberg, como "Boi kalá" y "Keren or", que hoy están muy identificados conmigo, al igual que un poema de Rajel, "Uri".
-Y el cantar en sí ¿también te resulta más cómodo en inglés?
- No, ahora diría que es igual en hebreo y en inglés.
-Un cantante va a presentar su creación en otras fronteras y lleva consigo no sólo su obra sino también una imagen, un concepto que tiene del lugar al que viaja. ¿Qué es para ti Sudamérica? ¿Cómo se te dibuja en tu mente, en tu percepción?
-Para mi Sudamérica es ante todo naturaleza. Amo paseos en la naturaleza y cuando pienso en Sudamérica, lo que me viene la mente son paisajes imponentes, mar, selvas, montañas, ríos, un lugar en el que aún hay mucha belleza. Eso me emociona mucho. Pero claro está que me gusta mucho su cultura musical, sus creadores, sus ritmos. Sé que hay allí una gran riqueza cultural y musical. Por último, te cuento que me gusta mucho leer y creo que la literatura latinoamericana, tanto prosa como poesía, han influido mucho sobre mi vida. Daría como ejemplo más que nada a Octavio Paz y Gabriel García Márquez, que me han impactado desde niña. Siento que han sido influencias en mi personalidad. Por todo esto, me emociona profundamente embarcarme en esta gira.

A favor de la paz
-Tu te has manifestado repetidamente sobre el tema de la paz entre Israel y sus vecinos. ¿Qué mensaje traes al respecto esta en tu gira? ¿Cómo describirías la situación actual?
-Mi posición fue siempre y lo sigue siendo, que la única forma de solucionar nuestra situación es lograr la paz con términos medios, ya que no veo ninguna alternativa. Una solución militar, por la fuerza, creo que es algo catastrófico para la humanidad en cualquier lado, por supuesto también en nuestra región. Debemos aspirar a llegar a un acuerdo, que permita la normalización de las relaciones con los palestinos y la fórmula de dos estados para dos pueblos. De ahí en adelante, debemos comenzar a forjar nuestro futuro.
-Hay sin duda muchos desafíos de por medio aún por resolver...
-Claro que sí. En el último año también se ha deteriorado mucho la posición internacional de Israel y hay una gran ofensiva en su contra, pero aún así creo que Israel debe avanzar con valentía, ir hacia adelante en pro de la opción de la paz, ya que la otra, una guerra segura, es algo en lo que ni siquiera quiero pensar siendo madre. Tenemos que hacer todo para que funcione la opción de la paz.
Soy una convencida de que se puede solucionar todo por las buenas. Es verdad que hay extremistas y que no son pocos, que ellos quieren perpetuar la guerra, el derramamiento de sangre, porque sirve a sus intereses e ideologías, al control que quieren tener de los débiles. Pero hay también mucha gente, cuyas voces no siempre se hacen oir, que lo único que quieren es vivir su vida con normalidad, criar a sus hijos, mandarlos a la escuela, disfrutar de vacaciones, comer y beber, disfrutar la vida normal sencillamente. Es la aspiración básica de todo ser humano y tenemos que basarnos en ese sentimiento tan fundamental y tan importante y tratar de lograr la paz.
-¿Transmitirías junto a este mensaje la idea de que el logro de esa paz tan ansiada depende de las dos partes? A menudo se habla como si dependiera sólo de Israel...
-Claro que sí. Depende también de los demás. Lo digo siempre. Por eso me han criticado también afuera. Dentro de Israel hay quienes me critican porque soy "izquierdista", afuera me critican algunos que quisieran que acepte todas las posturas palestinas y ataque a mi país, lo cual nunca estaré dispuesta a hacer. Tengo críticas a mi gobierno, pero cuando veo también las grandes injusticias que se cometen contra Israel, con propagandas indebidas, también lo denuncio. El tema de fondo, para mi, es que yo no actúo ni hablo por indicaciones de nadie. No trabajo para ningún partido y lo único que me dicta cómo actuar, es mi conciencia. Si veo algo que considero injusto, lo denuncio. Si considero que quiero que los palestinos reciban lo que es justo y que su vida sea igual que la nuestra, lo digo aunque a algunos no les guste. Y cuando veo que el mundo critica a Israel sin fundamento, o en forma totalmente exagerada, sin ver toda la situación, sin ver que hay de por medio fuerzas del mal que actúan para difamar a Israel y ensuciar su nombre, también lo denuncio.
-¿Cuál es entonces tu objetivo cuando planteas tus posiciones en lo político?
-Antes que nada, decir las cosas tal cual las veo realmente. Y quiero que se mantenga el equilibrio. Quiero mostrar lo complejo de la situación, que se comprenda que no hay ni negro ni blanco y que si la línea a seguir es decir todo el tiempo "él empezó, el otro tiene la culpa", nunca saldremos de eso; no terminaremos con las guerras, las pérdidas, el sufrimiento y la muerte. Por eso creo que necesitamos ser valientes de cara a la paz.
-Si hablas de valentía, consideras al parecer, como muchos israelíes, que hay aún riesgos en el camino...
-Claro que sí. Hay temores, hay motivos para ello. Pero no hay otra solución. Ya hemos visto cuáles son los resultados de las guerras: cementerios, muertos, tumbas. También del otro lado. ¿Cuánto más se puede seguir así? La guerra no es la solución y ahora hay que intentar hacer paz. Se necesita visión para lograrla. Hay que ir a las urnas y votar por quien consideremos que hará la paz, guiar a nuestros líderes a que lo logren. También Netanyahu es capaz de hacer la paz. Yo no voté por él, pero quizás en circunstancias actuales él pueda lograrlo. Realmente espero, por él y por nosotros, que así sea.
-Ojalá; que así sea.
-Ojalá.

*Escrito por Jana Beris. Publicado en Semana, Israel (www.semana.co.il)
El sitio oficial de Noa es www.noasmusic.com.

¡El tango tiene el sonido del shofar!

(Por Alberto Mazor*) Algo que hace especial a Zully Goldfarb son los tangos que interpreta en idish, unidos a los tangos rioplatenses y a la música tradicional judía. Zully se presenta por primera vez en Israel en un recital en Ashdod acompañada por la Orquesta Sinfónica de la ciudad.
La conjunción de todo el material que Zully interpreta quedó plasmado en su espectáculo "Raíces", donde se presentó acompañada por quince personas en escena, incluyendo músicos y bailarines. "Raíces" fue presentado con gran éxito en tres conocidos teatros de Buenos Aires: Coliseo, Cervantes y San Martín.
Desde 1999, Zully Goldfarb viene realizando numerosos recitales en lugares como el Club del Vino, Taconeando, el Café Tortoni, Clásica y Moderna, el Café Homero y Velma Café, además de los teatros mencionados. También llevó a cabo espectáculos en el Teatro Melico Salazar de Costa Rica, el Hotel Conrad de Uruguay y el Teatro Kadima de la colonia judía Moisés Ville. Se presentó además en Villa Clara, Domínguez y Concordia y en el Teatro Diego Torres de Córdoba.
Zully participó en 2008 en el Festival Ashkenazí de la canción, donde presentó su CD de tangos en idish y representó a Argentina con tangos rioplatenses. Actuó en Alemania en el Klezmer Festival Furth y en el Teatro Stadtheatre.
-¿Porqué tangos en idish?
-Los tangos en idish entraron en mi vida cuando José Judkowsky presentó su libro "Los judios y el tango". Entonces Abraham Lichtemboim (IWO) me pidió que cantara para dicha presentación algún tango en idish. Me resultó interesante que existieran esos tangos que para mí eran canciones melódicas -"Friling", "Papirosn"- hasta que con mi director musical, Pablo Saclis, vimos que tenían un ritmo totalmente tanguero en su 2x4. Fue entonces que se hicieron arreglos para piano, bandoneón y contrabajo para estas melodias. A partir del ritmo que le impuso el bandoneón se transformaron en verdaderos tangos.
Después me dedique a investigar sobre la posibilidad de interpretar otros tangos en idish que nacieron en guetos, campos de concentración y entre las guerras.
Los inmigrantes europeos que escapaban del hambre y la guerra se unieron a grandes orquestas de tango en Buenos Aires, donde seguían componiendo y reinventando un ritmo que ya estaba en sus vidas.
Me encontré entonces con que quería hacer un álbum con estos tangos que fuí buscando durante dos años. La búsqueda fue difícil; habían muchísimos tangos europeos pero no todos me gustaban. Yo necesito que la música y la letra penetren en mí para poder después entregarla a mi público desde el corazón.
-¿Hablás idish?
-Hablo idish, pero lo entiendo más de lo que lo hablo. En mi casa, cuando era niña, mis padres, que también eran inmigrantes de Polonia, me hablaban en idish. Esos momentos de mi vida quedaron grabados por siempre, y el idish fue instálandose naturalmente.
Hoy en día soy reconocida por los tangos que interpreto en idish en mis espectáculos en Buenos Aires donde tengo la oportunidad de cantar tangos rioplatenses y tangos en idish y hacer una conjunción de mis raíces judías con las porteñas. Ambas culturas se unen y me dan la posibilidad de contar historias y mantenerlas vivas. El público argentino recibe con muchísimo respeto mi repertorio en idish; valoran y se interesan por un género que estaba casi perdido.
-El idish es todo menos arrabal, malevaje o canyengue, ¿no?
-El tango en idish está muy emparentado con el rioplatense. Ambos hablan de momentos de angustia y dolor; en el caso de los tangos en idish, algunos sobre angustias de amores perdidos en momentos de guerra; otros por la desolación de tener que escapar de su lugar de origen hacia países que, como en la Argentina, fueron recibidos para encontrar un lugar de paz ante tanto sufrimiento.
La angustia en ambos tangos está bien representada, y aunque las razones sean diferentes, tengo que destacar que es un sentimiento válido para las dos culturas.
Por supuesto que las palabras arrabal, malevaje y canyengue se dan sólo en el tango rioplatense, pero de todas formas la esencia es más o menos la misma: "tangos de amores perdidos", "tangos de tiempos pasados", "tangos de sueños no concretados"...

-Según Discépolo: "el tango es un sentimiento triste que se baila"; el idish se relaciona más con el humor. Otra antitesis, ¿no creés?
-Es cierto que hay muchísimos tangos que también se relacionan con el humor, son aquellos que se representaron en Argentina en los momentos de gloria para el teatro en idish. Los que yo interpreto tienen en general otra esencia. Por ahora no encontré tangos que me gusten que tengan un transfondo humorístico; eso lo desarrollo más bien con el tango porteño donde tengo la oportunidad de divertirme con desplantes que le hace una mujer a un hombre o viceversa.
En general la gente que asiste a mis espectáculos se emociona hasta las lágrimas con los tangos en idish, aunque no entiendan lo que dicen. Posiblemente porque palpitan conmigo la emoción que pongo en ellos cargada de sentimientos de angustia, y se divierten muchísimo cuando interpreto istriónicamente los tangos rioplatenses de humor o se conmueven al máximo cuando logran entrar en la historia que les estoy contando.
-¿Qué significa para vos el espectáculo "Raíces"?
-Es un espectáculo que abarca tres tipos de géneros que trato de unir para mostrar que están totalmente relacionados. Primero presento tangos rioplatenses, sigo con tangos en idish y termino con canciones populares judías. En escena hay un grupo de bailarines de música contemporánea, aproximadamente 14, y son ellos los que se encargan de mostrar como se unen los géneros. Todos ellos están relacionados; uno va naciendo de otro; eso es lo que pasa en el mundo que vivimos; sólo queda en nosotros aceptarlo y yo me ocupo de que así sea. Me hace feliz mostrarle a la gente que todos somos uno y que cada persona tiene un pedacito de su cultura metida en la de su semejante.
-¿Hay relación entre el tango y la música klezmer?
-Para mí toda la música del mundo se relaciona. Si escuchás detalladamente diferentes géneros, podrás encontrar que en la música popular hay en ciertos temas algo de música clásica que se escuchó durante siglos. Es indefectible que después de tantos años escuchando todo tipo de música, a algún compositor se le ocurra utilizar parte de ella, no porque quiso copiar deliberadamente, sino porque le gustó tanto que ya la tenía internalizada y la volcó en alguna de sus obras. Para mí eso no es plagiar, sino tener la sensibilidad de guardar un momento grato en su vida y querer reproducirlo.
Veamos entonces que pasó con el tango argentino, cuya música se desparramó por Europa, especialmente con los viajes de Carlos Gardel. Claro que el tango es una música hermosa y pegadiza; es por eso que nacieron esos tangos europeos de diferente rítmica, pero tangos al fin.
-Guiora Feidam, el hijo de Leo, decía que el clarinete en el tango es similar al sonido del shofar ¿hay algo de eso?
-¡Me encanta Guiora Feidman! Tengo muchísimos CDs de su autoría y los escucho muy a menudo. Entre su música tengo un CD de tangos que es maravilloso. Personalmente, creo que el shofar encierra todas las melodías; me maravilla escuchar el sonido del shofar con todas las posibilidades y colores que tiene al momento de emitir sus sonidos, tan disimiles, pero al mismo tiempo tan verdaderos. Debe ser que mi imaginación me transporta a los momentos que vivo en nuestras festividades de Rosh Hashaná, y entonces, cuando lo escucho, siento intensamente sus sonidos.
¡Y claro que sí! El tango tiene mucho del sonido del shofar, y lo muestra Guiora cuando toca su clarinete. Y si hablamos de clarinete, estamos hablando también del klezmer, donde indefectiblemente ese instrumento se hace presente y puede transformarse en la "voz" del grupo musical contando una historia.
-Recientemente, en Buenos Aires, participaste en la exposición "Del barco a la milonga" ¿Qué se pretendía exponer?
-"Del barco a la milonga" fue presentada en el Museo Carlos Gardel, donde fui invitada a cantar tangos en idish y rioplatenses. La exposición se hizo en conjunto con el Museo Judío de Buenos Aires. Allí se mostró mucho de la historia de los inmigrantes que llegaron a Argentina y se unieron a orquestas de tango, en especial muchos violinistas rusos. Se expusieron partituras de tangos compuestos por judíos que vivieron en Argentina, fotos de esos músicos con las orquestas típicas y mucha documentación que certifica el aporte de los judíos al tango. Los directivos de ambos museos trabajaron en conjunto durante varios meses para llevar a cabo esa muestra, lo cual es muy importante para nuestra comunidad.

-¿El recital en Ashdod es tu primera actuación en Israel?
-Sí. Esta presentación es la primera en Israel. Espero que pueda seguir presentándome en diferentes lugares de Israel para mi alegria y la de la gente.
En Buenos Aires todos estaban muy movilizados por esta presentación; no podían entender cómo era que ya viajé a otros países por mis actuaciones y todavía no habia ido a Israel, y en especial con el tango, que tanto gusta aquí. Esto se da gracias al interés que puso Ronén Nissan, el director de la Orquesta Sinfónica de Ashdod, que me invitó a participar como cantante solista e hizo todos los arreglos necesarios para mostrar mis tangos acompañada por primera vez por una orquesta sinfónica compuesta por 40 músicos. Ronén viajó a Buenos Aires y allí trabajó también junto a mi director musical, Pablo Saclis, y al violinista argentino Alejandro Shaikis, amigo personal de Ronén. Con ellos absorbió el estilo tanguero que luego trasladó a su orquesta haciendo los arreglos pertinentes; un trabajo que emprendió con muchísimo entusiasmo y dedicación por su amor al tango.
-Se dice que los ingleses descienden de los celtas, los franceses descienden de los galos y los judíos descienden de los barcos ¿Dónde encontrás realmente tus "raíces", aquí o allá?
-Mis raíces están donde está mi pueblo. Es imposible no tener raíces en el lugar donde uno nació y es imposible para un judío no sentir sus raíces en Eretz Israel.
-¿Cuando viajás a Israel sentís que "vas" o "volvés"?
-Cuando llego a Israel me siento "completa y segura". Pero yo nací en la Argentina y tengo mucha gente que es parte de mi vida.
-Cantaste en el Tortoni, en Taconeando y en Moisés Ville. ¿Cantar en Israel es algo especial?
-¡Por supuesto! No sólo canté en Café Tortoni y en otros lugares importantes además de los que nombrás, pero nada se compara como tener la posibilidad de cantar en Israel, y más aún, con una orquesta sinfónica. Son pocos los profesionales del canto popular que tienen esa oportunidad; me toco a mí y pienso disfrutarla al máximo. ¡Y ojalá que se repita!
-¿Qué significa el tango para vos?
-El tango lo escuché en mi casa desde muy chiquita. A mi padre le gustaba muchísimo, y sin querer se fue metiendo dentro mío hasta desembocar en su totalidad en esta etapa de mi vida con todo mi amor. El tango encierra tanta energía que sería imposible poder explicarlo con palabras; por eso sólo lo canto.
-¿Gardel o Piazzolla?
-Me gustan los dos. Son realmente diferentes pero cada uno es único. Los admiro profundamente. En mi nuevo repertorio que estoy preparando voy a incluir varios tangos de Piazzolla. Él me tiene atrapada con su música y aprovecho para interpretar las pocas que tienen letra.
-¿Eladia Blázquez o María Elena Walsh?
-Eladia también tiene un estilo que me encanta; la escucho mucho y tengo dos canciones de ella que gustan muchísimo y son muy aplaudidas: "La vitrina" y "Qué buena fe".
-¿Cuáles son tus próximos proyectos?
-Grabar otro álbum de tangos rioplatenses y otras cosas que se presenten en este camino que estoy recorriendo en mi vida. Seguramente también estaré viajando para contar mis historias de tango donde me llamen y sepa que me voy a sentir bien haciéndolo.
-¿Te volveremos a escuchar en Israel?
-¡Sí! Ojalá me inviten nuevamente y aquí estaré sin falta.


*Publicado en Argentina.co.il. Entrevista realizada antes del recital de Zully Goldfarb en Ashdod, del último 21 de julio.

Dejá Vu, cómo volver a la buena fusión cubana

(Por Santiago Masetti*) Dejá Vu es un interesante grupo de fusión compuesto por cinco jóvenes músicos, que al ritmo de un particular reggae, saben, inteligentemente, fusionar ritmos cubanos, africanos, el son, la bossa y el jazz, entre otros.
La banda esta integrada por Yamil Reyes en la voz, la dirección y la composición; Alejandro González en el bajo; Alberto Roque en la batería; Miguel Comas con la guitarra y Michel Fusté en la percusión menor y tumbadoras.
Dejá Vu proviene de una expresión francesa que significa “ya visto”. El concepto describe la experiencia de sentir que ya se ha sido testigo o se ha experimentado previamente una situación nueva. El investigador francés Emile Boirac fue el responsable de acuñar el término, allá por el año 1800.
Los músicos cubanos eligieron ese nombre debido a la aparición de los integrantes de esta banda en video clips televisivos, representando a otras agrupaciones. El público y los televidentes tendrían la experiencia de verlos juntos en este proyecto musical.

Todo un Dejá Vu
En un edificio del barrio de Nuevo Vedado, en la ciudad de La Habana, este grupo tiene su particular sala de ensayo. La habitación escogida para semejante empresa no mide más de dos metros y medio por tres; del techo cuelga un trípode con un micrófono ruso, que es capaz de grabar hasta el movimiento de una hormiga. Allí también se encuentran la batería, las tumbadoras, y un pequeño espacio para que casi milimétricamente quepan, parados, guitarrista, bajista, cantante, y una computadora.
Alejandro González recordó como surgió la idea de formar Dejá Vu: “Los antecedentes de la banda son diversos porque cada cual trabajaba en grupos diferentes, nosotros nos conocíamos de salir, de trabajar y vernos. Habíamos estado con diferentes agrupaciones y entonces surgió la idea de formar nuestra propia banda. Existía mucha diversidad de influencias, a cada cual le gusta un genero diferente, el reggae, el rock”.
Para Alberto Roque, el comienzo en el grupo fue bastante diferente, “yo no soy fundador de la banda pero ingresé a finales de 2008 - la agrupación nació en 2007 -; yo tocaba con Alejandro en un grupo de rock que se llamaba Red X, entonces me habló de tocar acá, porque no tenían baterista”.
Mientras dos ventiladores hacían su trabajo entre platillos, cables y maracas, el líder de la banda, Yamil Reyes, explicó que “Dejá Vu no es un grupo real de reggae, es un grupo de fusión, de fusión urbana. Me gusta decir fusión urbana porque es lo que hemos recogido cada quien de la calle; los únicos que han pasado por una escuela de música han sido Alberto y Miguel”.
En sus canciones, el reggae es el registro dominante, aunque no dudan en mezclarlo con la música cubana, africana, el ska y el rock. Concientes y orgullosos de pertenecer al Caribe, Dejá Vu se identifica con otras bandas de la región y con el famoso jamaiquino Bob Marley.
Reyes, quien es el encargado de componer las letras, afirmó: “Las canciones son vivencias personales, lo que me ha pasado a mí en el transcurso de mi vida musical, en el transcurso de mi vida conciente. Las letras son bastante pasionales, son letras más bien de amor, de historias de parejas, a veces nos salimos un poco del contexto de pareja y hacemos letras un tanto sociales”.
Y agregó: “Dejá Vu se mueve por todas las ramas del reggae, lo fusionamos con la música cubana, con el son, con la bossa, con el jazz, con el blues, con ritmos africanos. De cierta manera es una especie de mensaje, porque hoy el mundo esta envuelto en conflictos de territorios, de recursos naturales, en un millón de problemas, y me parece que hacer música del mundo es pedir por la concordia”.
En sus tres años y medio de vida artística, esta original banda de fusión ha actuado en festivales, conciertos individuales y presentaciones grupales.
El joven guitarrista Miguel Comas dijo que “al público le damos una sensación placentera, porque no lo agredimos, no los maltratamos, sino que tratamos de transmitirle que la vida tiene sentido y de que los problemas en algún momento se solucionaran”.
Michel Fusté es el encargado de hacer que las tumbadoras reciten sus monólogos. Este inquietante músico no habla mucho pero es como un alma vital para el grupo. Dijo que “a los ritmos afro, al igual que al son, los acomodo a la canción que toco y busco que las tumbadoras hablen por sí solas”.

*Santiago Masetti, especial desde La Habana, Cuba. Para Agencia Periodística del Mercosur (www.prensamercosur.com.ar)

Juanes presentó su nuevo video

El cantante colombiano Juanes ha estrenado en todo el mundo el videoclip de “Yerbatero”, un enérgico tema inspirado en los ‘culebreros’ que recorrían los municipios antioqueños vendiendo fórmulas naturales y que es el primer sencillo de su nuevo álbum, que se publicará a finales de año.
El vídeo, que ha sido dirigido por Brandon Parvini, recrea una atmósfera imaginaria llena de elementos naturales. Ha sido realizado a partir de imágenes exteriores rodadas en Los Ángeles y utiliza moderna tecnología en producción y post-producción, según se explica en el making off, que también se ha estrenado hoy en internet.
“El efecto de las flores involucra una técnica que sólo se realiza en algunas casas de post-producción”, explica Parvini, mientras que para crear las enredaderas han utilizado el programa “3ds Max”. Las flores que aparecen son una mezcla de orquídeas y aves del paraíso, “los dos tipos de flores favoritas del cantante”, cuenta el director.
El cantante de “A Dios le pido” presentó el tema “Yerbatero”, la primera canción que estrena en tres años y de la que es autor de letra y música, el pasado 10 de junio, cuando lo interpretó durante el acto de inauguración de la Copa Mundial de la FIFA Sudáfrica 2010, en Johanesburgo.
Detrás de la producción del disco, realizada en Londres, se encuentra Stephen Lipson, que ha trabajado con artistas como Paul McCartney, Annie Lennox o Jeff Beck.
El quinto álbum de Juanes, del que aún no se ha revelado el título, saldrá al mercado a finales de año, según anunció el sello discográfico Universal Music.


Juanes - Yerbatero (Del estreno mundial de la canción en el Campeonato del Mundo de

Sudafrica 2010)

Natalie Clein, un cello irreverente de nuevo en Argentina

Este miércoles 14, y este jueves 15, en ambos casos desde la 20, la violonchelista británica Natalie Clein se presentará en el Teatro Colón (Libertad 621), de la Ciudad de Buenos Aires. En las dos jornadas.
La británica se presentará junto a la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, con dirección de Enrique Arturo Diemecke. El repertorio incluirá la obertura “Las alegres comadres de Windsor”, de Otto Nicolai; el “Concierto para violonchelo en La menor Op. 129”, de Robert Schumann, y la “Sinfonía Nº 3 en Mi bemol mayor, Renana”, del mismo compositor.
La presente no es la primera visita de Clein a Argentina. Ya había estado en abril de 2003, y también en noviembre de 2008.
Clein es reconocida a nivel mundial no sólo por la calidad de sus interpretaciones, sino además por su estilo irreverente.
“Tres palabras definen el estilo musical de Natalie Clein: clásico, alternativo y experimental. Natalie es ante todo una música inquieta, que si bien ama el repertorio clásico y es concertista regular junto a figuras destacadas como la pianista Martha Argerich, explora las posibilidades de su instrumento con sonidos nuevos e inusuales”, definió el portal “Estereofónica”, de Colombia.
“De mamá violinista y papá aficionado a la viola, Natalie heredó el amor por la música. Aunque confiesa que su estilo y sonido particular se deben en gran medida al violonchelo Guadagnini que data de 1777 y que la acompaña desde sus días de estudiante en Viena”, añadía el artículo colombiano, publicado a raíz de la visita de cellista a ese país, en 2009.
“El mío es un violonchelo pequeño en comparación a los demás, eso lo hace perfecto para mí. Su sonido lo comparo a un rayo de luz, es penetrante, bello y poderoso”, dijo.
A su vez, el diario The Times, “Clein interpreta todo con pasión”. Y para Los tiempos de Oxford: “Ella es una artista intérprete, o ejecutante, de magnetismo tan grande, que barre a su público con ella, hasta tal punto que es casi un shock cuando ella deja de tocar y te encuentras de nuevo en el mundo real una vez más”.
Nacida en 1977, Clein estudió en el Royal College of Music, de Londres, donde recibió las becas Queen Elizabeth y Queen Mother. En 1994, tras ganar el Certamen joven músico del año de la BBC, se convirtió en la primera ganadora británica del Certamen Eurovisión para jóvenes músicos en Varsovia.
Debutó en el concierto BBC Proms en agosto de 1997, interpretando el Concierto en Do mayor de Joseph Haydn junto a la Orquesta Nacional Juvenil de Gran Bretaña, bajo la dirección de Roger Norrington. Se presentó en el Barbican Centre, el Royal Festival Hall, el Bridgewater Hall y el Birmingham´s Symphony Hall.
Como solista, actuó junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta de Cámara Inglesa, la Orquesta Philharmonia, la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, la Royal Philharmonic Orchestra, los London Mozart Players, la Orquesta Sinfónica de Hallé, la BBC Symphony, y sus pares de Escocia y Gales, bajo la dirección de Gennadi Rozhdestvensky y sir Neville Marriner, entre otros.
La discografía de Clein incluye:
-Elgar: Cello Concerto with Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, Vernon Handley (EMI Classics UK, 2007)
-Chopin/Rachmaninov: Cello Sonatas with Charles Owen, piano (EMI Classics UK, 2006)
-Brahms/Schubert: Cello Sonatas, with Charles Owen, piano (Classics for Pleasure, 2004)
-Duruflé: Requiem (Hyperion, 1994)

Aquí, algunas interpretaciones para disfrutar de su música

Haydn, Cello Concerto in C Major (I)
Moderato del Concierto para Violonchelo y Orquesta en Do mayor de Haydn



Haydn, Cello Concerto in C Major (II).
Adagio del Concierto para Violonchelo y Orquesta en Do mayor de Haydn. Orquestra de Cambra Illa de Menorca (OCIM) dirigida por Michael Thomas. Violonchelo solista: Natalie Clein


Natalie Clein - Sospiri (Elgar)



Una entrevista
Y aquí, Natalie Clein habla (en inglés, claro) de sus inicios, de la música y algunas impresiones personales respecto a ella, y además muestra de lo que es capaz, así, de la nada, en medio de un estudio de televisión



Fuentes diario La Nación (Argentina)
Estereofónica, de Colombia (www.estereofonica.com)
Sitio oficial (www.natalieclein.com)

Concierto homenaje en la sede del Coro Nacional de Ciegos

La Asociación Amigos del Coro Polifónico Nacional de Ciegos "Carlos Roberto Larrimbe", ong sin fines de lucro, presenta en su sede de Austria 2561 de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, al trío integrado por Ana Laura Soria en piano, Carolina Monteiro en clarinete y Sabrina Pugliese en fagot.
El recital forma parte del ciclo homenaje al maestro Ladislao Scotti y tendrá lugar el día viernes 16 de julio, a las 19. En la oportunidad se escucharán obras de compositores argentinos y latinoamericanos.
La entrada general tiene un valor de 10 pesos, y los socios y jubilados, de 5 pesos.
Pueden solicitarse más informes, telefónicamente al 4807-4906. Por correo electrónico a coro@corodeciegos.org.ar. O bien, ingresando al sitio: http://www.corodeciegos.org.ar/.
El repertorio coral que tradicionalmente interpreta el Coro Polifónico Nacional de Ciegos incluye piezas de Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Wolfgang A. Mozart, Gabriel Fauré, Ludwig van Beethoven, Leonard Bernstein, y Domenico Zipoli.
Cuenta con sopranos, contraltos, tenores, bajos y copistas, y está dirigido por Osvaldo César Manzanelli.

El Coro Polifónico de Ciegos nació de la mano de Carlos Roberto Larrimbe, quien en 1942 ingresó como profesor de música en la Escuela para Ciegos Adultos "General San Martín", e inmediatamente dedicó sus esfuerzos a la formación de un coro de la institución.
Con el auspicio de destacadas personalidades de la época Larrimbe creó el 2 de febrero de 1947 el Coro Polifónico de Ciegos que hoy lleva su nombre.
Aquel primer grupo de veintinueve integrantes, realizó su presentación ante el público en la Iglesia Del Salvador, para la Semana Santa de ese mismo año. Y desde entonces, el Coro Polifónico de Ciegos desarrolla una importante actividad: ha recorrido todo el territorio nacional y visitado los países limítrofes de Chile, Bolivia y Paraguay.
Desde 1971, solemniza las Celebraciones Litúrgicas Oficiales de la Catedral de Buenos Aires, con asistencia del Presidente de la Nación, cuerpo diplomático e invitados especiales.
Ha interpretado trascendentes obras del repertorio universal, entre ellas Requiem de Mozart, Requiem de Fauré, Gloria y Magnificat de Vivaldi, Magnificat y motete Jesu Meine Freude de Bach, en remarcables actuaciones junto a la Orquesta Sinfónica Nacional o con acompañamiento de órgano.
Por su meritoria tarea, el conjunto ha sido distinguido en reiteradas ocasiones. 1956, Círculo de Críticos Musicales, mención extraordinaria. 1958, Consejo Británico y Círculo Musical Santa Cecilia, premio estímulo. 1990, Fundación Prosa, galardón reconocimiento a la labor artística. 1992, Rotary Club, premio "Sol de Plata" a la trayectoria, etc.
En el año 2007, la Asociación Amigos del Coro Polifónico Nacional de Ciegos ha asumido la organización de conciertos y actos alusivos.

Diego Torres conquistó al público israelí

El músico argentino Diego Torres se presentó por primera vez en Israel, donde cautivó a más de 2500 personas…
Acompañado por su banda, el cantautor Diego Torres se presentó por primera vez en Israel, donde brindó un concierto ante más de 2500 personas en el Mann Auditorium de la ciudad de Tel Aviv.
En este concierto, que comenzó pasadas las 9 de la noche y superó las dos horas de duración, Diego hizo un repaso por toda su carrera, incluyendo hits tales como Alguien la vio partir, Penélope, Andando, Tratar de estar mejor, Mi corazón se fue y Guapa.

Llegando al final del concierto Torres interpretó Sueños y Color esperanza, además de realizar su versión del emblemático tango Nostalgias. Claro que este no fue el único momento emotivo de la velada, ya que ocurrió lo mismo cuando subió al escenario Pablo Rosenberg, un artista muy conocido en Israel, que junto a Diego cantó La última noche.
Vale destacar que la próxima presentación del afamado artista argentino será este viernes 9 de julio en el prestigioso Festival Latinoamericando de Milán.


De InfoBae, Argentina

El poeta de la tierra del Sol Naciente

Kazufumi Miyazawa (宮沢和史) es un compositor y cantante japonés, quien además destaca por la belleza de la poesía de sus canciones. Su talento lo ha llevado a trascender largamente los límites de la isla que lo vio nacer, y no sólo en Asia y en Europa ha sido bien recibido, sino que en Sudamérica ha logrado un enorme reconocimiento.
Y hasta ha visitado países como Cuba, Honduras, México, y Nicaragua, lo que demuestra que no sólo goza de buena acogida en aquellos lugares donde hay grandes comunidades de descendientes de japoneses.
Se iniciço como valista de su primera banda, The Boom. Más tarde fundó Ganga Zumba. Se lanzó como solista, y recientemente agrupó a varios músicos en torno a su proyecto Miyasawa-Sick
Poco antes del Campeonato Mundial de Fútbol de Corea/Japón 2002, una canción de Miyazawa (“Miya”, como se lo conoce popularmente), fue grabada por el actor y músico argentino Alfredo Casero, y se convirtió en una de las melodías que acompañaron esa competencia deportiva, dando la vuelta al mundo.
Esa canción, “Shima Uta” (Island Song/Canción de la Isla), rompió las barreras idiomáticas. Su texto, era un verdadero poema antibelicista, que Miyazawa había escrito tras visitar la pequeña isla japonesa de Okinawa, y ver, casi cuarenta años más tarde, el impacto que había tenida la Segunda Guerra Mundial.
Su biografía indica que Miyazawa nació el 18 de Enero de 1966 en la ciudad de Kofu, alrededor de unos 100 km al oeste de Tokio, Japón. Hizo un debut como el vocalista de una banda titulada 'The Boom' en 1989, en la cual lanzó 11 çalbumes incluyendo el último titulado "Hyakkei" (2004).
En 1993, su composición y single “Shima Uta” se convirtió en un éxito masivo, vendiendo al rededor de 1.5 millones de copias, y fue cantada por numerosos artistas japoneses, e inclusive, artistas extranjeros.
Dentro de los álbumes que lanzó mientras estuvo activo en la banda,
-Sixtheenth Moon

-Afrosick (Grabado con músicos en Brazil)

-Miyazawa (Grabado en Brazil, Argentina, New York, Tokio y Okinawa, presentándolo en un concierto en Pamplona, España en Julio de 2002)

-Miyazawa-Sick -Spiritek (canciones que Miyazawa escribió para otros artistas)

-Metaporohoses (incluye éxitoscomo 'Shima Uta' y 'Nukegara' con un tour en Sur América con la banda 'Miyazawa-Sick')
Miyazawa también se destacó en otros campos, además de la música. Ha escrito importantes ensayos, actuó en films y en dramas de televisión, y la poesía que vuelca en sus canciones, también le permitió lograr, más de la música, un lugar de reconocimiento entre los poetas de su país.

Miyazawa, la cantante argentina Claudia Oshiro, y los conductores del programa Japón Hoy, de Radio Palermo (Argentina), Ricardo Hokama y Midori G. Nakamura, durante una visita de Miya a Buenos Aires en septiembre de 2009.

Algunas canciones de las distintas épocas de “Miya”

Miyazawa Kazufumi/The Boom - Shima Uta



Snow in Okinawa



É Tudo Tão Menor (en vivo)



Miyazawa Kazufumi/The Boom - Kaze ni Naritai



Spiritek



Fuentes: Japón Hoy, Radio Palermo (www.japon-hoy.com.ar)
Animé Nicaragua (www.animenicaragua.com)
Cuba Sí (http://musica.cubasi.cu)
Wikipedia

Recibimos el disco de Roni Alter

(F.S.) La cantante israelí Roni Alter me hizo llegar su primer disco, "Air pocket" (Bolsa de aire), compuesto por una decena de canciones.
Aunque la totalidad del disco me resultó muy agradable al escucharlo por primera vez, la canción Nº 2 "זמריִם" (cantantes), fue la que más me gustó. Aunque claro, la recomendación es disfrutar del disco completo.
Esperamos poder realizar prontamente una entrevista para hablar de su este, su primer disco
Mientras tanto, para conocer más acerca de Roni Alter, los invitamos a leer la entrevista que le hicimos en agosto de 2009, aquí:
http://textosincendiarios-musica.blogspot.com/2009/08/la-cantante-israeli-roni-alter-anticipa.html

Israeli singer Roni Alter sent us her first album, "Air pocket" composed of ten songs.
Although all the disc is very pleasant to hear for the first time, the song N º 2 "זמריִם" (singers) was the one I liked. Although, of course, the recommendation is to enjoy the entire disc.
Los Lanzallamas hope to soon make an interview with Roni to talk with her about this first album
Meanwhile, to know more about her, we invite to read the interview we did in August 2009, here:
http://textosincendiarios.blogspot.com/2009/08/israeli-singer-roni-alter-anticipated.html

Chava Alberstein, la dama del folklore yiddish

Hay poco que se pueda decir sobre Chava Alberstein (en hebreo חוה אלברשטיין), y no precisamente porque su trayectoria haya sido pobre, sino todo lo contrario.
Cantante, compositora, letrista, arreglista musical, esta verdadera promotora del folclore yiddish (asociado a los judíos askenazíes de Europa Central) cuenta con más de sesenta discos editados (muchos de los cuales han sido discos de oro o de platino, y seis de ellos han recibido el premio Arpa de David), entre los grabados en estudio, en vivo, y recopilaciones.
Nacida el 8 de diciembre de 1947, en la ciudad polaca de Szczecin, Alberstein emigró a Israel (que nació como Estado un año después que ella) con su familia a los cuatro años de edad, y pasó su infancia y juventud en una ciudad del norte de Israel.
Hoy es una de las más destacadas cantantes israelíes, con una enorme trayectoria de más de cuarenta años de carrera y reconocimiento internacional. Y aunque su estilo más característico es el folclore yiddish, ha hecho incursiones en otros muchos géneros musicales.
A los diecisiete años, en 1964, dio el primer paso para firmar su primer contrato discográfico con la compañía CBS. Pero fue cuando fue llamada a filas por las Fuerzas de Defensa Israelíes, se dedicó a entretener las tropas con sus actuaciones musicales, lo que resultó determinante para su lanzamiento al estrellato.
A partir de los ‘80 comenzó a escribir sus propias canciones. Su disco Mehagrim ("Inmigrantes") se compone fundamentalmente de temas de su propia autoría. Cuestionó públicamente la política del gobierno israelí durante la Primera Intifada, y una versión de la canción tradicional de Pésaj, "Jad Gadya", incluida en el Album "London" (1989), fue prohibida momentáneamente su emisión en las radios oficiales israelíes.
Si bien a posterior el fiscal general Yosef Harish declaró que la prohibición fue "una injustificable violación de la libertad de expresión", es raramente difundida desde entonces. El tema fue utilizado en la banda musical de la película Free Zone (2005).
Alberstein está casada con el cineasta Nadav Levitan, quien en 1995 realizó un documental sobre ella, titulado Too Early to Be Quiet, Too Late to Sing, quien fue también el autor de las letras de su disco "End of the Holiday".
Ella, a su vez, fue la autora de la música de dos de las películas de su esposo, Stalin's Children y Groupie.
Y aunque es una de las más famosas cantantes israelíes en yiddish, ha cantado también en hebreo, inglés y árabe.
A continuación, algunos videos que muestran apenas una parte de la versatilidad de Chava Alberstein, cantando desde canciones en yiddish, hasta una versión bilingüe de Alfonsina y el mar con Mercedes Sosa, incluyendo una canción tradicional de Pésaj (Jad Gadya), prohibida en su momento por el Gobierno israelí, y un dúo con Emanuel Haromi.
Y entre los más de sesenta álbumes que tiene editados, cabe recomendar: Chava Alberstein "The Collection" y "Crazy Flower", ambos de 1998.
"The Early Years-The Box Set", una colección de 16 cd, editada en 2003. Y "Children’s songs - The Collection Box Set", del año 2000.
Imperdible "The well", junto a la banda norteamericana Klezmatics, de 1998. Y dos excelentes en yiddish: "Lemele", de 2006 y "Chava Alberstein - Yiddish Songs", de 1999.

Nafshi (con Emanuel Haromi)


Chad Gadya


Zol Zayn


Alfonsina y el Mar (Alfonsina ve ha yam), con Mercedes Sosa


Los ojos cerrados


Alabanza Maoz

Tânia Mara, una personalísima voz brasilera

Habitualmente, la música de Brasil no suele andar en buenos tratos con mis oídos. Históricamente hubo un puñado de excepciones (Kid Abelha/Paula Toller, Os paralamas do sucesso, So pra contrariar/Alexander Pires), y nada más. Esto, probablemente porque lo más conocido de ese país, siempre fueron estereotipos de ritmos que se asociaban automáticamente con la definición “música brasilera”.
Tânia Mara, una muy joven cantante y actriz de Brasil, me sorprendió desde que escuché su primer disco. Quizá, especialmente por su primer disco, que lleva su nombre, y que es el más “fuerte” en cuanto a la potencia que despliega de todos los que lleva editados.

Pero la voz, el estilo, la personalidad musical de Tânia, hacen un conjunto que sorprende una y otra vez.
Algunos datos: Tânia Mara Araújo Almeida nació un 9 de febrero de 1983, en Brasilia, capital de Brasil.
“Tânia Mara” fue el nombre de su primer disco, y en abril de 2009 presentó el cuarto: “Fiebre de amor”.
Casada con el director de novelas de Red Globo y director de cine Jayme Monjardim, Tânia está cursando las instancias finales de un embarazo que le dará su primera hija. Dijo que le pondrá Maysa, en honor de su abuela paterna.
Después de sumar en Deseo Prohibido (actualmente en la televisión argentina) su tercer tema para una telenovela, Tânia lanzó en junio de 2009 (dos meses después de su disco en estudio), el DVD en vivo “Hablando de amor”, que incluye éxitos, pero también nuevas canciones, y con participaciones como la de Alexandre Pires, para el tema “No me ames” (popularizado por Jennifer López y Marc Anthony), entre otras.
Aquí, algunos videos con sus canciones, comenzando por Se Quiser (versión en portugués de Anytime, de Kelly Clarkson), tema de la novela “Páginas de la Vida”, y parte de su primer disco.
Más información en: http://www.taniamara.com.br/.

Se Quiser (Si deseas)



Febre de amor (Fiebre de amor)



Não Me Ame (No me ames), con Alexander Pires



Sonho Lindo (Sueño lindo)



Que me dê seu carinho (Que me de su cariño), con Juan Luis Guerra



Gostava Tanto de Você (Gustava tanto de usted)

"La Sonora de la IAPI", otra cara del éxito de las orquestas infantiles como camino para la inserción social

(*)La orquesta "La Sonora de la IAPI", como sus propios integrantes decidieron denominarla, no para de crecer, tanto en calidad, como en cantidad. Y es que, por un lado, cuenta con cuarenta alumnos, y otros tantos en lista de espera, aguardando que el proyecto pueda darles cabida.
Pero el reconocimiento que logran, no sólo dentro del distrito, sino también fuera de él, es otra de las muestras de la validez del proyecto que puso en marcha la Secretaría de Cultura de la Nación, y que está dirigido a brindar una propuesta de inserción a los chicos de los sectores sociales más postergados.
En el caso del municipio de Quilmes, la primera de las iniciativas se puso en marcha en el Bernal Oeste, y luego de un paso breve por la Escuela Técnica Nº 8, los chicos encontraron espacio en la sede del Centro Integrador Comunitario (CIC) de Villa IAPI.
Allí, las clases son los días martes y los jueves, de 17 a 19, y los sábados entre las 10 y las 12, tiene lugar el "ensamble", es decir, el ensayo general de la orquesta que dirige Gustavo Pometti, y que el 11 de junio se presentará en la Ciudad de Buenos Aires en el marco de un certamen de orquestas infantiles y juveniles.
El trabajo comenzó en octubre de 2008, y en apenas un año y medio, la orquesta que cuenta con cinco profesores logró posesionarse gracias a los logros de sus alumnos. "El efecto de esta trascendencia que empezamos a tener", dijo Pometti, "es que cada vez tenemos más chicos interesados, que llegan y se inscriben, pero que tenemos que dejarlos en lista de espera".

"Ningún pibe nace ladrón"
Pometti dijo que "lo que vemos con el trabajo con los chicos es la confirmación de lo que creíamos y sabíamos. Ningún pibe nace ladrón, ni nace violento, ni nada de lo que escuchamos todos los días".
"El trabajo de los chicos con la música logra que los chicos muestren lo que pueden hacer y lo que pueden dar, y es un gancho, como creo que lo sería cualquier manifestación artística en la que les diéramos lugar".

Los chicos, todos provenientes de hogares de escasos recursos, mostrando lo que saben en un ensayo orquestal

En ese marco, aclaró que "por ejemplo, para lograr ese "gancho", lo que hacemos es trabajar con los pibes desde la música como ejercicio, y no intelectualizándola".
Al comienzo debió darse la tarea de organizar a los chicos, y de lograr hacer que actuaran en conjunto. "Muchos de estos pibes vienen de hogares donde quizá no hay un marco de disciplina muy estricto. O están solos porque los padres trabajan, o están con hermanitos, y entonces, lo que hubo que tomar como punto de partida fue la disciplina", dijo Pometti.
El segundo paso de ese trabajo fue el de darles a los chicos la posibilidad de hacer música, incluso aprendiendo los temas que tocan, pero desde la práctica misma. "Ahora, que ya están más metidos, con los que vienen desde el comienzo, podemos empezar a trabajar el tema de las nociones "técnicas", llamémoslas así, de la música", dijo el director de La Sonora.
Y subrayó que "si hubiéramos arrancado por ponernos a hacer teoría con los chicos, no creo que hubiéramos logrado la respuesta que tenemos ahora".
Y como resultado de ese trabajo, los chicos se presentarán este viernes 11 de junio, en la Ciudad de Buenos Aires, y el 19 de junio, estarán en el club Argentino de Quilmes, de Alsina y Cevallos.
Las edades para los integrantes de la orquesta van de los 8 a los 14 años, aunque Pometti admitió que "nosotros somos un poquito elásticos, en la medida en que se puede".
Los chicos aprenden violín, guitarra, charango, y varios instrumentos aerófonos, entre los que hay flautas, quenas, entre otros.

*Por Federico Gabriel Sequeira
Nota publicada en la edición del 5 de junio del diario Perspectiva Sur, Argentina

La cantante israelí Noa y un llamado a la reflexión

En su blog (http://noa-the-singer.blogspot.com/), la cantante israelí Noa publicó este miércoles un breve comentario titulado “An important petition, a sane, humane voice from israel” (Una petición importante, cuerda, la voz humana de Israel).
Allí señala: “He estado devanándome los sesos tratando de llegar a encontrar qué escribir sobre los trágicos acontecimientos de los últimos días aquí en Israel. Estoy tan destrozada, tan enojada, que casi no encuentro palabras para decir”.
“Entonces me topé con esta petición, escrita por los israelíes que, obviamente, se sienten igual que yo”.
En ese marco, invitó a leer la petición, a difundirla, y, por qué no, a firmarla.
“Es muy importante que el mundo sepa que hay otras voces en Israel, no sólo las de nuestro irresponsable gobierno. Estas otras voces necesitan ser escuchadas. Me siento orgullosa de levantar mi voz junto a las de ellos”.
La petición puede encontrarse, que comienza diciendo: “Nos merecemos un país del que podamos estar orgullosos. Nos merecemos una política de esperanza”, puede encontrarse en hebreo y en inglés en: http://www.atzuma.co.il/hatikva.

La cantante de jazz Madeleine Peyroux toca este jueves por primera vez en Buenos Aires

En su primera visita al país, la cantante de jazz Madeleine Peyroux presentará el disco "Bare Bones" con un concierto en el teatro Gran Rex (Corrientes 857).
Comparada en ocasiones con la legendaria Billie Holliday, merced a su estilo vocal, la artista es uno de los exponentes más celebrados del jazz de la actualidad.
Criada en Francia desde los 13 años, la artista comenzó su carrera a los 15 junto a un grupo de músicos callejeros del Barrio Latino de Paris. Su primer disco, "Dreamland", fue lanzado en 1996 y tuvo un buen recibimiento.
Sin embargo, durante los siguientes seis años Peyroux se dedicó a actuar y a llevar una vida de bajo perfil. Su segundo disco, "Careless Love", se editó recién en 2004 y le sirvió a la vocalista para comenzar una sociedad creativa con el productor Larry Klein que se repitió en la placa "Half the Perfect World", de 2006.
Los últimos lanzamientos de Peyroux fueron el CD "Bare Bones", lanzado el año pasado, y el recientemente editado DVD "Somethin' Grand", que incluye un concierto en vivo y un documental.
Serán justamente estos trabajos los que Peyroux repasará en vivo en su primer concierto en Buenos Aires.
Madeleine Peyroux nació en Estados Unidos, aunque a los 13 años, tras pasar su infancia en Nueva York y el sur de California, el divorcio de sus padres la llevó a vivir en París (Francia) con su madre. Allí comenzó a introducirse en el mundo de la música.
Más información en el sitio oficial: http://www.madeleinepeyroux.org/, y en Myspace: www.myspace.com/officialmadeleinepeyroux.

Fuentes Reporter (www.reporteronline.com.ar) y Wikipedia

Nuphar Ganor se presenta en Ein Hod el 19 de junio

La cantante Nuphar ganor nos hizo llegar una invitación para su presentación del próximo 19 de junio, a las 12.30, en el Art Bar de Ein Hod.
Ein Hod es una villa para artistas ubicada en una colina, en el camino hacia la ciudad de Haifa, al norte de Israel.
Para conocer más acerca de Nuphar Ganor y su música, es posible acceder a su sitio web: http://www.nupharganor.com/. O acercarse a través de nuestra entrevista, en: http://textosincendiarios-musica.blogspot.com/2010/04/entrevista-nuphar-ganor.html.

The singer Nuphar Ganor sent us an invitation for submission of 19th June, 12.30 am, at the Art Bar in Ein Hod.
Ein Hod artists' village is located on a hill on the way to the city of Haifa, northern Israel.
To learn more about Nuphar Ganor and his music, you can access her website http://www.nupharganor.com/. Or come through our interview, in: http://textosincendiarios-musica.blogspot.com/2010/04/entrevista-nuphar-ganor.html.

Canciones para recordar (II)

Sexta (סקסטה) – Nací para la paz (Noladti LaShalom) (1979)

Ilana Avital (אילנה אביטל) - Cada año a finales del verano (1983)

Milk & Honey With Gali Atari – Halleluja (Ganador de Eurovisión 1979)

Sexta (סקסטה) – Cenicienta (1981)

Ilana Avital – Pero, ¿dónde está el amor? (Mais Où Est L'amour) (1983)

Sherri (שרי)– Quiero olvidar (1982)



Más info:
Sexta fue una bandada de mujeres nacida en 1978, y que siguió unida hasta 1983. Tras un largo período, en 2004 volvieron a reunirse.
La banda consiguió tres discos de pop hasta su disolución, y logró destacadas participaciones en distintos festivales a los que se presentaron.
Las mejores dos canciones más conocidas del grupo fue "Nací para la paz", de Uzi Hitman, y "Hago mis melodías", de Yair Klinger.

Ilana Avital nació en Francia en 1960, pero a los 11 años emigró con su familia a Israel. A los 13 años ya había grabado algunas canciones populares francesas, pero fue en 1977, con 17 años, cuando estalló su fama, cuando participó de un festival de la canción con el tema “Usted”, de Shaike Feikov.
Un año más tarde estuvo en Chile para el Festival Internacional de la Canción, donde con “Love”, quedó en tercer lugar. Ese mismo año sacó su primer disco, y por espacio de más de veinticuatro meses se alejó de los escenarios para dedicarse a la crianza de su primer hijo.
A partir de 1981 tuvo una carrera reconocida como actriz y como cantante. Esta última, además, incluyendo algunas canciones infantiles en los años ’80.
Más información en: www.myspace.com/ilanaavital

Sherri (Charlotte Elias) nació en 1955, y en la década del ’70 comenzó a tener reconocimiento en la música, grabando tanto en hebreo como en inglés, y moviéndose entre el pop y la música disco. Poco después, formó parte de las primeras mujeres del rock de Israel.
Para 1978, su trabajo era conocido y apreciado en Europa, y en especial en España. Aunque al promediar la década del ’80 estaba casi retirada de la música, y quizá la única excepción fuera su presentación, en 1987, en el Festival de Arad.
De la mano de una ola de nostalgia por la música de los ’70 que se dio en Israel por el año 1995, su nombre, como el de varias estrellas olvidadas de aquel período, volvió al centro de la escena. Participó de la compilación “Nunca sigas al sol”.
Y en 2002, volvió con un trabajo propio en el que repasaba los éxitos de los ’70.
Su carrera como cantante se complementó con la carrera como actriz, que incluyó también el teatro, donde en 2003 tuvo un reconocido éxito junto a Ilana Avital.

Avigail "Gali" Atari es una actriz y cantante israelí nacida en 1953, que apareció por por primera vez en la escena internacional en 1971 cuando representó a su país en el World Popular Song Festival en Japón con la canciones "All free" y "Give love away". Atari participó en el concurso nuevamente en 1976, esta vez con la canción "The Same Old Game".
En 1979 ganó el Festival de Eurovisión, con el grupo Milk & Honey con la canción Hallelujah.

El recital de Diego Torres en Israel ya tiene fecha

Como lo habíamos anticipado algunos días atrás, Diego Torres va a estar presentándose en Israel. Va a ser durante el mes de julio, y el recital ya tiene fecha.
“Con una carrera de más de 18 años en los que ha logrado consolidarse como uno de los cantantes latinos de mayor éxito a nivel internacional, Diego Torres llega a Israel para presentarse el 12 de julio en un único recital”, resumió una nota del portal de argentinos residentes en ese país, Argentina.co.il.
Para el músico que días atrás presentó oficialmente en Argentina su disco “Distinto”, octava placa en su carrera, esta será la primera oportunidad en su carrera en la que visitará Israel.

Gabriel Yared, el desconocido ilustre

En su caso, no cabe hablar de ilustre desconocido, sino, por el contrario, de desconocido ilustre.
Y es que el libanés Gabriel Yared es el responsable de muchas (quizá, cabe: muchísimas) de las más bellas composiciones que acompañan a reconocidísimas películas de cine. Claro que su nombre no es tan conocido.
Gabriel Yared nació el 7 de octubre de 1949, en Beirut, capital del Líbano, pero pasó gran parte de su vida en Francia, donde comenzó a componer música para películas del cine de ese país. Posteriormente, comenzó a componer para el cine de habla inglesa.
Por su trabajo en El paciente inglés (1996), ganó un Oscar y un Grammy, y estuvo nominado en 1999 por El talentoso señor Ripley.
A la edad de 7 años, su padre envió a Yared a tomar clases de acordeón, que el chico dejó dos años después, para empezar con lecciones de piano y teoría musical. Una anécdota singular de aquellos tiempos es que su profesora de piano consideraba que el joven Gabriel no tenía futuro en la música.
A la edad de 14 años, tras la muerte de su profesor de piano, Yared comenzó a tomar clases con un organista.
Más adelante, en la universidad, leyó la obra de Bach y Schumann, entre muchos otros, y eso inspiró su primera composición original, un vals para piano.
Yared se doctoró en derecho, no estudió música de manera formal hasta los veinte años, cuando comenzó a asistir a la École Normale de Musique de París como estudiante no registrado.
A finales de 1971, se fue a Brasil a visitar a su tío. Allí, el presidente de la Federación Mundial de festivales de música ligera le pidió que escribiera una canción para representar a los libaneses en el Festival de la Canción Río de Janeiro. Su canción ganó el primer premio.
Yared asegura, aún hoy en día, que Brasil jugó un papel fundamental en su carrera, y ha influido en su obra. Y es que tras su triunfo de 1971, siguió trabajando en aquel país con una pequeña orquesta.
En 1975, preparó el álbum Minacantalucio para el popular cantante italiana Mina.
Luego volvió a Francia, donde se reunió con los hermanos Costa y colaboró con ellos. Comenzó a escribir arreglos orquestales, y al cabo de seis años había hecho tres mil.
También colaboró con Jacques Dutronc, Françoise Hardy, Charles Aznavour, Mireille Mathieu. Coloboró con muchos músicos, y contribuyó con infinidad de programas de radio y jingles de televisión.
Luego llegó al mundo del cine, primero en Francia, y luego con producciones de habla inglesa, donde se fue afianzando cada vez más.
Aquí, sólo algunas muestras de las exquisitas composiciones de Yared:


Syncopes (de la película "El talentoso señor Ripley")



The Unfeeling Kiss ( de la película “Ciudad de Los Ángeles)



C'est le vent, Betty (de la película “Betty Blue”)



L'amant" (de la película “El amante”)



Dear Catherine (De la película “Mensage en una botella”)

Impresionante velada musical a cargo de la Orquesta Escuela de Florencio Varela

La noche del sábado 22, y en el marco las actividades programadas para conmemorar el bicentenario de la Revolución de Mayo, que dio nacimiento a la Argentina, Florencio Varela se vistió de gala, con la presentación de la Orquesta Escuela varelense.
En las instalaciones del Instituto Santa Lucía, la más importante institución educativa de Florencio Varela, se dieron cita más de cuatro mil personas para disfrutar del espectáculo que ofrecieron unos mil músicos, en su mayoría niños y jóvenes.
Todos los integrantes de la Orquesta Escuela de Florencio Varela, que nació en 2005 con apenas quince estudiantes y hoy suma casi mil, tuvieron la oportunidad de mostrar lo que saben.
Incluso aquellos que comenzaron a cursar hace algunos meses su primer año en el proyecto, que está orientado a toda la población, sin distinguir condiciones sociales o económicas, pero que busca llegar especialmente a los sectores más postergados.
Quien fue la piedra fundacional de la iniciativa en Florencio Varela, y hoy sigue al frente de la Orquesta como director, Osvaldo Aguilera, recordó palabras de un par venezolano al plantear que: “la música clásica era en un principio de unos pocos, para unos pocos. Después, fue de unos pocos para muchos. Y ahora, lo que buscamos es que sea de muchos, para muchos”.
Aguilera dijo que así como de la mano del proyecto venezolano que logró que hoy en cada pueblo de ese país haya una orquesta, el objetivo en Argentina es lograr lo mismo. Y en Florencio Varela, además, hacer que en cada barrio haya chicos haciendo música clásica.

La Orquesta Escuela de Florencio Varela hizo vibrar a cuatro mil personas

En el marco del encuentro, en el que estuvieron presentes autoridades del municipio de Florencio Varela, el director de la Orquesta entregó una plaqueta al Jefe Comunal, Julio Pereyra, que estuvo, además, acompañada de un agradecimiento, porque, dijo, “siempre han acompañado este trabajo muy de cerca y para nosotros ha sido muy importante contar con el apoyo de la gestión en la cotidianeidad de la labor diaria y poder plantear las necesidades”.

Una noche de excelencia
El clima estuvo amenazando con agua la fiesta a lo largo de toda la jornada, pero sin embargo, llegada la hora pautada para el encuentro, las 19, todo estaba listo para que ocurriera lo que finalmente sucedió: la Orquesta Escuela hizo vibrar de emoción a los presentes, y le puso brillo a la velada que se prolongó por más de tres horas.
El Himno Nacional Argentino, la Marcha de San Lorenzo, o la canción a la bandera Aurora fueron algunas de las propuestas con que los músicos deleitaron al público.
“A todos los Hombres y Mujeres de Buena Voluntad”, el corto filmado por la Secretaría de Cultura de la Nación, y que incluyó a los músicos varelenses, también fue proyectado para los presentes.

El coro, que acompañó el cierre con la Oda a la alegría

El espectáculo incluyó la presentación de la Orquesta Sinfónica Juvenil e Infanto-Juvenil, así como la Orquesta de Tango y la Orquesta de Jazz “Big Band”.
Para el cierre, la totalidad de los músicos se dieron cita ante el público, con la presentación de la Mega Orquesta, que interpretó la Oda a la Alegría, de la Novena Sinfonía de Ludwing Van Beethoven, con el acompañamiento de los coros de adultos, de niños, y de los integrantes de los talleres de nivel propedéutico.

El proyecto
Con más de 600 chicos, desde los 3 años, participando, el proyecto incluye las actividades de: Orquesta Infantil, Orquesta del Nivel Inicial, Orquesta Infanto-Juvenil, Orquesta Sinfónico-Juvenil, Taller de Luthería, Escuela coral: Niños Adultos, Taller de Flauta dulce, Grupos de Cámara.
En la red social Myspace, puede encontrarse más información acerca del trabajo que vienen realizando, y ver algunas imágenes donde queda plasmado lo que los chicos son capaces de lograr.
El sitio es: http://www.myspace.com/orquestaescuelafvarela.
La iniciativa nació en el año 2005, y en apenas un lustro pasó de los quince a los casi mil alumnos, sumando en el camino una importante cantidad de reconocimientos a nivel distrital, pero también provincial y nacional.
Sin embargo, y pese a que la Comuna ofrece su acompañamiento al proyecto, es necesario recordar que la Orquesta no cuenta aún con una sede propia, y funciona en horario vespertino, en el edificio de la Escuela Especial Nº 501.
En ese mismo edificio, y por un problema de anegamiento de los sótanos, en 2009 buena parte de los instrumentos de la Orquesta se vieron dañados. Y esa situación generó un alerta ante las dificultades que podría implicar para la continuidad de la movida.
El denodado esfuerzo de los integrantes de la Asociación Amigos de la Orquesta Escuela de Florencio Varela, así como el de los docentes y los propios alumnos, hizo que el trabajo se fortaleciera.
Y esto, a punto tal, que en la velada del sábado 22 de mayo, se presentó en sociedad FUASOM, la Fundación de Acción Social por la Música, que busca ser el motor por el cual viabilizar el anhelo que Aguilera sembró en el entorno que lo acompaña, para lograr la inclusión a través de la música.

Fuentes propias y portal web Varela Punto Com (http://varelapuntocom.blogspot.com)

Los Tipitos presentan "El club de los martes" en el Luna Park

Los Tipitos se presentarán el sábado 29 de mayo, desde las 21.30, en el Luna Park, desde las 21.30.
La banda de rock nacional oriunda de Mar del Plata estará presentando oficialmente su disco “El club de los martes”, que salió a la luz el 8 de abril último.
“El club…” fue el duodécimo disco de estudio que lanzó la banda en sus ya dieciséis años de trayectoria.
Los Tipitos arrancaron en 1994 con la misma formación que tienen hoy, y en 1996 grabaron su primer álbum llamado Los Tipitos.
Además de un recorrido por las canciones del nuevo disco, la banda hará un repaso de los temas que ya se convirtieron en clásicos.
El Luna Park está ubicado en el centro de la ciudad, en la calle Bouchard 465, a sólo algunos metros de Puerto Madero y a menos de 10 cuadras del Obelisco.
Y para ir entrando en clima...

Júrame, uno de los primeros cortes del nuevo disco



Siguiendo la luna



Campanas en la noche



Brujería



Silencio



Fuentes
Entradas Q! (http://entradas.quelapaseslindo.com.ar)
Viví el rock nacional (http://vivielrocknacional.blogspot.com)