Murió la “Reina de Marfil del Soul”

Teena Marie, una de las cantantes blancas de soul y R&B de mayor éxito, murió en su domicilio del sudeste de Los Ángeles.

Aparentemente, la cantante, de 54 años, murió mientras dormía y fue encontrada ayer, día de Navidad, por su única hija, informan medios locales estadounidenses, que no precisan las causas del fallecimiento.

Sus mayores éxitos llegaron en la década del ochenta con trabajos como Lady T, sobrenombre por el que también se la conocía.

En la década del noventa publicó Ivory y Passion Play, mientras que los últimos álbumes fueron La Dona, en 2003, y Sapphire, en 2005.

Conocida como la “Reina de Marfil del Soul”, Teena Marie nació en la ciudad de Santa Mónica (California, Estados Unidos), en 1956, y creció en un barrio de Los Ángeles conocido como Venice Harlem con una mayoría de habitantes negros.

Con una fuerte influencia afroamericana, la cantante, cuyo nombre original era Mary Christine Brockert, publicó con el mítico sello de soul y R&B Motown su primer disco, Wild and Peaceful (1979), a los 19 años, producido por el legendario Rick James.

Sus éxitos cosechados con sus trece álbumes la llevaron a estar cuatro veces nominada a los premios Grammy, según los datos biográficos que aparecen en su propia página de Internet.

En 1982 la cantautora estadounidense inició una batalla jurídica contra la compañía discográfica Motown, un pleito del que finalmente resultó airosa.

Aquella disputa legal quedó en la historia de la música como Teena Marie Bill, una jurisprudencia votada en el Congreso estadounidense y que protege a los artistas que están en conflicto con sus casas disqueras.

De El Telégrafo, Ecuador

La música sefaradí del Mediterráneo en Buenos Aires

Con su espectáculo “A Orillas del Mediterráneo”, Liliana Benveniste recorre la música sefaradí que tiene su origen en aquellos judíos expulsados de España en el año 1492 partiendo desde la misma península y recorriendo canciones de Turquía, Marruecos y Grecia.

Cantada en idioma ‘ladino’ también conocido como ‘judeoespañol’ cada canción tiene el aire fresco y dulce de aquellas zonas combinando ritmos y melodías románticas, alegres, emotivas, melancólicas y hasta picarescas.

El fresco atardecer de verano porteño en los hermosos jardines del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco y la puesta en escena de efectos y luces de colores que acompañaban las canciones eran el marco perfecto para que los más de 250 asistentes que desbordaron la capacidad del lugar hayan disfrutado una noche inolvidable.

Así pudimos escuchar “Dos amantes tengo la mi mama” canción de Sofía, Bulgaria; una canción de amor de Turquía “La prima vez”; “Mama yo no tengo visto”; “Ya salió de la mar la galana” canción de boda de Salónica, Grecia; “Ashuar muevo” y “El banyo de la novia” canciones de boda de Marruecos donde Liliana además toca la guitarra; “Yo me’namorí de un ayre” canción de amor de Rodas, Grecia; “Ija mia te kero dar” canción humorística de Chanakkale, Turquía; “Yo en la prizion, tú en las flores” de Turquía; “Si veriash a la rana” otra canción humorística de Turquía y Bulgaria; “Ken me va a kerer a mi” de Turquía; “Yo hanina, tu hanino” una canción de amor de la ex-Yugoslavia; “Samiotisa” una preciosa canción popular de Grecia mezclando el griego y el judeoespañol; “Peshkado frito” canción picaresca de Tetuán, Marruecos. Además como siempre Liliana sorprende con algo autóctono en este caso con una transliteración propia al ladino del tango “El día ke me keras” en una preciosa interpretación.

También dos canciones nuevas que se incorporaron recientemente al repertorio sefaradí: la canción de cuna “Leche, kanela i miel” y la humorística y galardonada “Alevantate Nissim” ambas con letra de la poetiza argentina Beatríz Mazliah y la música de Liliana Benveniste.

Tres excepcionales músicos conforman el grupo que acompañó a la intérprete: Uriel Kitay en mandolina y acordeón, Adrián “Colo” Mirchuk en teclados y Horacio Cacoliris con múltiples instrumentos a cargo de la percusión.

La organización estuvo a cargo del Museo Fernández Blanco y de eSefarad: Noticias del Mundo Sefaradí www.eSefarad.com en ocasión de su 2º aniversario y fue auspiciado por la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA), Federación Sefaradí Latinoamericana (FeSeLa), el Centro de Investigación y Difusión de la Cultura Sefardí (CIDiCSef), Radio Jai FM 96.3 y la Universidad Maimónides.

“A Orillas del Mediterráneo” es un espectáculo de nivel internacional que asegura el disfrute, la emoción y el recuerdo para todo público sin distinción de edad ni de religión.

Tras su gira europea del 2010 el público pudo notar el crecimiento artístico de Liliana Benveniste superándose a si misma y proyectándola como una de las más importantes cantantes del repertorio sefaradí clásico y moderno de la actualidad.

De eSefarad (www.esefarad.com)

Paraguay anticipa los festejos de sus dos siglos con la presentación de "1811 al Bicentenario, mujeres que hicieron historia"

En el marco de la Conmemoración Nacional del Bicentenario, se presentará el espectáculo interactivo "1811 al Bicentenario, mujeres que hicieron historia", del miércoles 15 al sábado 18 de diciembre, a las 21, en el Teatro "José Asunción Flores" del Banco Central del Paraguay.
La Orquesta Sinfónica Nacional tendrá a su cargo la interpretación de las músicas de las diferentes épocas.
La entidad responsable de la organización es la Fundación Madre Paraguaya, soporte del Despacho de la Primera Dama de la Nación, a cuyo beneficio se realizará este evento artístico, según informe de prensa de la Secretaría Nacional de Cultura.
El espectáculo es una idea original concretada por el coreógrafo y director de escena, el español Mario Martens y consiste en una singular remembranza de los hechos que marcaron el mundo desde la llegada de los españoles a América en 1492 hasta la emancipación del Paraguay en 1811.
Esta representación de sucesos históricos será a través del teatro, la música y la danza. Integran el gran elenco artístico la actriz Clotilde Cabral, el actor Jorge Ramos, además del director de la Orquesta Sinfónica Nacional, maestro Juan Carlos Dos Santos y otros renombrados y actores, músicos y bailarines.
Es una producción nacional que conmemorará a las mujeres que hicieron historia, olvidadas por los escritores de su tiempo, en el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia Nacional, concluye el informe de prensa.

De Información Pública Paraguay (www.ipparaguay.com.py)

Serrat dio un recital especial para los chicos internados en el Garrahan

A diferencia de otros conciertos de Joan Manuel Serrat en donde se produce un silencio casi religioso entre un tema y el siguiente, en esta oportunidad, las toses y balbuceos de los chicos se juntaban con la llegada de algunos pacientes que eran acomodados en los pasillos laterales de la sala junto a un respirador artificial. El sábado, ante un auditorio colmado de padres, chicos y personal clínico, el cantautor catalán ofreció un recital en el aula magna del Hospital de Pediatría Juan Garrahan.
En plan acústico, Serrat realizó desde las 13.30 un recorrido por los hits históricos que volvieron fans a varias generaciones de argentinos. En total fueron siete las canciones que hizo en esta segunda visita al hospital. La primera había sido en 2007.
Con la guitarra en la mano y acompañado en el teclado por el maestro Ricard Miralles, su compañero musical desde hace varias décadas, Serrat agradeció a los concurrentes y sin esperar respuesta soltó Cantares . Luego, siempre sonriente, contó que por estos días está presentando su disco homenaje al poeta Miguel Hernández. De aquella placa hizo La palmera levantina . En la platea, donde unas 400 personas colmaban el lugar, algunos nenes en silla de ruedas filmaban el recital que el músico les estaba brindando.


Al sonar los primeros acordes de Esos locos bajitos muchos se pusieron de pie mientras la conocida melodía les sacaba una sonrisa a las familias reunidas. Al terminar, se quedó un rato ajustando su guitarra y reflexionó: "El calor humano tiene grandes ventajas y algunos inconvenientes: desafina las cuerdas de la guitarra. Pero ese tiene poca importancia".
A continuación hizo Mediterráneo y volvió a hablar: "Aprovecho el inciso para agradecer a todos aquellos que trabajaron un domingo para que se pueda dar este recital". Mientras una enfermera se abría paso hacia la salida con un muchachito en brazos, otra saludaba a una nena con la cabeza vendada, que miraba con sobresalto como se llevaban a su amigo.
Después llegaron Aquellas pequeñas cosas y Hoy puede ser un gran día , donde el público coreó y aplaudió cada unas de las estrofas. Dando a entender que todo había terminado, saludó a los médicos de la primera fila, estrechó varios pares de manos, besó a los nenes que lo miraban con dulzura, posó para las fotos y cuando parecía que la música ya se había acabado, se calzó la guitarra al hombro y cerró el recital con Penélope.
Beatriz Resnik, directora de Relaciones Institucionales de la Fundación Garrahan, señaló con emoción: "Estamos agradecidos por la generosidad de Serrat". También, leyó la carta que Ana Paunero, la fallecida jefa de prensa de la institución, le envió al cantante para invitarlo a tocar en 2007: "Nos gustaría que te hicieras un lugarcito en tu voz para que puedas cantar para los chicos". Los locos bajitos con diversas afecciones, agradecidos.

De Clarín, Argentina

La Camerata Bariloche en Florencio Varela

Taylor Swift revela su vida en 14 canciones

Speak now (Habla ahora) no es un simple álbum para Taylor Swift. Al contrario, para la cantante de música country pop, el tercer disco de su carrera relata sus amores y desamores.
Habla sobre las personas que ha conocido durante su camino hacia la fama.
La rubia y delgada cantante resume esas historias de su vida en 14 canciones, las que componen Speak now, el disco que presentó el pasado 25 de octubre.
"Estas canciones se componen de palabras que no dije cuando el momento justo estaba en frente de mí. Estas canciones son cartas abiertas. Cada melodía es una confesión diferente para una persona distinta", expresó la cantante y compositora estadounidense, de 20 años.
Swift ha vendido más de un millón de copias del disco Sepak now, que fue grabado para el sello independiente Big Machine Records.
Entre los temas a los que se refiere la artista constan Mine, su sencillo promocional.
"El contenido de esa canción es acerca de cómo encontrar la excepción. Su mensaje sugiere cómo encontrar a una persona que te haga creer en el amor y descubrir que puede funcionar. En mi caso, nunca voy a perder la esperanza de que el amor puede funcionar", explica Swift sobre Mine.
Además de esa canción, el disco contiene otras como Speak now (homónima del álbum) Sparks fly, Back to december, Dear John, The story of us, Better than revenge, Innocent, Long live y Last kiss, también integran la producción. Todas las melodías fueron escritas por Swift, quien contó con la coproducción de Nathan Chapman, el mismo que estuvo a cargo de sus discos anteriores.
"Nunca había escrito todo un álbum sola. Componer es una de mis actividades favoritas. Hace que la vida tenga más sentido para mí", confiesa la cantautora, quien recientemente fue premiada en los BMI como Mejor compositora country del año.
Aquella distinción solo ha sido una de las muchas que la cantautora nacida en Pennsylvania ha logrado.
El despegue de su carrera como cantante se dio cuando el productor Scott Borcheta la descubrió en el concurso The Bluebird Café. En aquella época Taylor Swift tenía 14 años.
En 2006, su primer álbum homónimo titulado Taylor Swift recibió el premio de la Asociación de Compositores de Nashville al Mejor cantante y compositor. Ella se convirtió en la artista más joven que lo ha recibido.
Dos años después, su carrera se afianzó con el lanzamiento de su segunda producción discográfica Fearless. Con ese disco obtuvo cuatro premios Grammy de los ocho a los que estuvo nominada. También se llevó el premio en la gala Movie Awards, en la categoría de Mejor video femenino por su single You belong with me.
Ahora con Speak Now, Taylor Swift propone a quienes escuchen sus canciones no callar lo que se siente. Ella "habla ahora" de su vida.

De El Telégrafo, Ecuador

La “Mala Rodríguez” rapeó en la noche bogotana

La Mala Rodríguez estuvo en la primera noche del Festival Nem - Catacoa, que se realiza en Cajicá, municipio cercano a Bogotá, Colombia, y mostró mucho de lo mejor de lo suyo.
Por el festival pasarán artistas como Green Day, Jamiroquai y The Bravery, y locales Superlitio, Don Tetto.
Para la española, fue la presentación oficial de su último álbum “Dirty Bailarina”, ante el público colombiano.




A continuación, una nota y entrevista a Mala Rodríguez, con la firma de Mayra Hernández, y publicada por la revista Shock (www.shock.com.co).

A mí me parieron fuerte, me criaron fuerte, caminé fuerte, siempre hablé fuerte”. Eso canta y nadie lo duda. El mundo lo sabe desde hace 10 años, cuando rotó por los diales hispanos Tengo un trato, el éxito apabullante de Lujo Ibérico, el Lp con el que ella, una rapera de sangre sevillana y aires gitanos, le dijo al mundo “esta soy yo” en un tono tan seductor como desafiante.
Y es que ella, más que nadie, sabe quién es y lo que se trae, y por eso remata con esas certezas biográficas Galaxias cercanas, uno de los sencillos con los que vuelve al ruedo, aunque esta vez, más que cabreada, lo hace impregnada de amor.
Así es. La Mala Rodríguez ha vuelto con toda. Igual de imponente pero en su versión ‘soft’, con un aura despejada y más profunda que nunca, ha llegado para presentarnos 'Dirty bailarina': más que su cuarto álbum de estudio, el nombre con el que bautizó a su tataranieta, la heroína de su mundo de ficción. Para conocerla, La Mala, que en realidad se llama María Rodríguez Garrido, tiene 31 años y dos pequeños, se embarcó en una fantasía, en un viaje singular con destino al futuro, donde descubrió a su descendiente: una niña que le señaló un destino trágico pero reparable. Esa heredera de su sangre y de su flow se convirtió en su musa, la guía que necesitaba para componer este trabajo que es también una advertencia.


Un disco más introspectivo, melódico y definitivamente más romántico que los anteriores, pero no por eso menos contundente y callejero, no por eso con menos talante o irreverencia, no por eso menos inspirado en los de abajo: los olvidados y los excluidos. No en vano, quizá, para pintar ese mundo surreal La Mala buscó a Jan Saudek, un fotógrafo polaco famoso por sumergirse en las cloacas de la vida para retratar, sin escrúpulos, a prostitutas, huérfanos y vándalos.
Hay quienes la conocieron cuando ya era una de las grandes por discos como Alevosía (2003), con el que obtuvo su segundo Disco de Oro, y temas impactantes como 'La niña', con el que despertó controversia por arriesgarse a hablar de una pequeña que traficaba drogas; sin embargo, desde el 93 La Mala viene forjando su biografía.
A los 12 ya era toda una experta en el arte vandálico. En La Macarena, el barrio de Sevilla donde creció, andaba con aerosoles entre los bolsillos y entrenaba con los breakers de las esquinas esas rimas alebrestadas que, años después, la harían digna de un título más que merecido: Patrona del hip hop iberoamericano.
Sin duda, su presencia en escena es intimidante y su actitud arrasadora; sin embargo, cuando hoy La Mala habla de cerca, ese dejo fuerte de andaluza se torna en un susurro, en un tono dulce, inesperado e inocente con el que, más que palabras al aire, lanza lecciones de vida que delatan su esencia: “una mujer que expresa su arte sin miedo a ensuciarse”, como ella misma lo dice al describir su nueva faceta artística.
-Revista Shock: Usted presenta este trabajo dentro de un marco de ciencia ficción, ¿por qué?
-La Mala: La ciencia ficción me sugiere ubicarme en un tiempo alternativo a este, tomar las particularidades de ahora para llevarlas a otro momento. Sólo hay que ver cómo estamos ahora para hacernos una idea de lo que será nuestro futuro.
-Dentro de este trabajo nos presenta a su tataranieta. ¿Quién es ella?
-Ella es la gran inspiradora de esto. Llevo un año cantando, escribiendo y sintiendo nuevas melodías y líricas. Dentro de este proceso de creación tuve un encuentro con mi tataranieta y ella fue quien me dijo: “Hay luz al final del camino, hay una esperanza”. Veo un colapso y siento una ansiedad que me dice que todo se va a derrumbar, pero es ella quien me abre la ventana y me dice que hay esperanza y que hay que desterrar el miedo para siempre, porque cada paso que uno da, tiene que darlo con amor. Eso es lo único que nos ayudará. A esta tataranieta mía yo le puse Dirty Bailarina. ¡Ella tiene tantas cualidades que yo amo! Ingenuidad, atrevimiento, fuerza, entereza… Ella está viva, va pa’ lante y estoy muy honrada de que sea de mi familia.
-En 'Nene', de este nuevo trabajo, se le ve romántica y pasional. ¿Por qué se atrevió a hablar esta vez de amor?
-No me refiero a un amor romántico. Yo hablo del amor más grande que pueda existir, a eso que te une a la naturaleza, te acerca a la belleza, a la verdad más pura. Siempre digo que cuando di a luz a mi primer hijo sentí que podía ser la mamá de todo el mundo (risas). Y por ahí va la cosa: cuando sientes que cualquiera puede ser tu hermano, tu abuelo, tu tía, tu prima... Cuando uno actúa con benevolencia, compromiso y madurez, uno actúa de otra manera, y eso es lo que a mí me ha hecho reflexionar y compartir con ustedes las letras de Dirty Bailarina.

-No pidas perdón parece hacer una advertencia. ¿Hacia quién va?
-En la canción, la madre de la que hablo, la que llora, es la Tierra. Lo único que digo es que no pidas perdón, mejor piensa, recapacita, estamos a tiempo. Pero no pasa nada, el amor no se va a extinguir, es una fuerza tan grande… Simplemente, ya nos encontraremos.
-Para este cuarto álbum trabajó con Foccus, productor de grandes como Beyoncé y Christina Aguilera. ¿Qué aportó él a su nuevo sonido?
-Mucho. Me enseñó un montón durante ese tiempo. Aportó una calidad tremenda a mi sonido. Tenía justo lo que yo quería. Muchas melodías de piano, un sonido limpio, y logró que mi voz se escuchara estupenda. Además, la combinación con la participación de Griffi (productor con el que ella suele trabajar) es un buen paquete porque él le mete suciedad y otro tipo de edición.
-¿Y qué tal el trabajo de arte junto a Saudek?
-Yo lo amo y esta vez quería hacer mi propia interpretación de Saudek. Su visión me ha ayudado a que el disco parezca de otro mundo. Estoy muy feliz de que ya esté acabado; que ya uno pueda tocarlo, sentirlo y escuchar completas las doce canciones como si fuera una historia que empieza y termina.
-Hablando de colaboraciones, 'Dirty Bailarina' es puro power femenino. Hay colaboraciones con la rapera Mefe y la cantaora flamenca Estrella Morente. Musicalmente, ¿qué le atrae de ellas?
-Adoro a Mefe. Es luz y tiene un potencial tremendo. Compartir con ella la canción Prima fue algo precioso. Hay muchas mujeres compitiendo unas con otras, cuando no estamos aquí para competir sino para apoyarnos las unas a las otras y aplaudirnos. En vez de envidiarnos, admirarnos. Y Estrella… bueno, ella representa para mí la raíz. Ella simboliza algo muy hondo que habita en mí. Ella está unida a esa Andalucía antigua que quería que estuviera presente en el álbum. De hecho, el tema que compartimos fue muy emocionante. Cada vez que conecto con la canción es momento de lagrimón.
-¿En dónde esculca para sacar tantas palabras?
-Alguien me ha dicho que tengo muchos muertos pegados que me dicen cosas y me utilizan para transmitir mensajes. Pero otras personas me dicen que eso se llama inspiración. Así que yo no sé. La cosa es que hay veces que yo me encuentro con lo divino. Y es divino cuando una persona como yo, que no soy más que nadie, escribe y se encuentra una cantidad de palabras que encajan y que realmente expresan una situación.
-En sus canciones suele tocar temas con una fuerte carga social. ¿Qué piensa de la inmigración ilegal? Un tema muy recurrente en sus primeras producciones…
-Simplemente digo que como ciudadana de este planeta, me parece de risa que una persona sea “ilegal”. O sea, ¿un ser humano puede ser ilegal? Pues sí, nena, eso pasa y es tristísimo, ¿no? Los pájaros, sin embargo, vuelan y van de aquí a allá cuando hace calor, y cuando hace frío vuelan otra vez a donde hace calorcito. Y nosotros, con miles de papeles y de historias, simplemente no podemos disfrutar de un techo y un poco de comida.
-Usted siempre ha sido catalogada como la artista urbana por excelencia. Como una especie de callejera. ¿Hoy en día cómo se relaciona con la calle?
-He vivido por muchos años en un barrio que se llama la Macarena en Sevilla. Un barrio muy alegre con carnicerías, fruterías, con muchos trabajadores y mucha musicalidad y callejuela. Yo siempre iba al colegio andando por callecitas muy chiquititas. Por eso, vi la drogadicción y, por desgracia, muchos amigos míos han tenido que convivir con eso, y eso a una le hace, le forma el carácter. Cuando ya tuve 19 años quise lanzarme a encontrar mi futuro y me fui pa’ Madrid a buscar oportunidades y a hacer música. Estuve viviendo en calles muy peligrosas…
-¿Y por eso le dicen La Mala? ¿Quién le puso ese nombre?
-Mi tía Sario… bueno, le dicen así pero se llama Rosario. Me puso así por ser una niña contestona.
-¿La Mala es muy mala o cuál es su lado bueno?
-Todos, todos son buenos. El lado malo es que cuando uno busca 24 horas, a veces encuentra cosas que no le gustan, pero esa es la vida: buscar. Yo vivo en plena búsqueda como artista, eso es lo único que alimenta mi alma, buscar la belleza en el arte.
-¿Hay algo a lo que le tenga miedo?
-No, miedo no. Yo no tengo miedo de nada, ni siquiera miedo mental, porque aunque lo más terrible ocurra, buscaré la manera de convertirlo en una flor.
-Entonces, ¿el hip hop es su herramienta para hacer eso?
-El hip hop es lo más real que hay como forma de expresión y para cualquier artista es maravilloso. Ya sea bailando, grafiteando o escribiendo, te ayuda a expresarte. Por eso adoro el hip hop. Está vivo.

‘El Gato’ de Afroson, y su mirada sobre la capital ecuatoriana: ‘La ciudad para mí es perfecta’

(Por Rossana Naveda*) Al igual que muchos habitantes de la ciudad de Quito, capital de Ecuador, Anderson Serrano, ‘El Gato’ del grupo Afroson, es hijo de migrantes, su madre es esmeraldeña y su padrastro, cuencano. Su padre falleció antes de que naciera.
Estudió en el Conservatorio Antonio Neumane, luego conoció a los muchachos de Afroson -Miguel Ángel Rivas (El Perro) y Luis Rivas (El Tigre)-. "Los vi en un colectivo, yo tenía 13 años y salía de mis clases, ellos hacían su show y la gente gozaba", recuerda.
Luego, los reencontró en El Fortín cuando fue a visitar a su mamá, Miguel y Luis también vivían allí.
"Me acerqué y les pregunté si eran quienes había visto cantando en el bus y les conté que yo cantaba y aprendía en el conservatorio cómo tocar guitarra y piano.
"Me hicieron cantar y como era ‘pollito’ en ese entonces, cantaba mejor. Así empecé con ellos. Aprendí el arte urbano y lo que la mayoría de ellos hace, la parte empírica", relata Anderson.
Ha vivido en diferentes zonas como Cristo del Consuelo, La Chala y San Ignacio de Loyola, por la entrada de la línea 8, en El Fortín.
Sobre la comparación de estas áreas de la urbe con otras, el artista asevera que la diferencia es que "en El Fortín no se ve el control de los negocios, los vendedores se ponen donde les place. Acá en el centro de la ciudad, por la vigilancia del Municipio de Guayaquil, eso no pasa".
Sin embargo, sobre los problemas que afectan a la ciudad, él afirma: "Ahora Guayaquil, para mí, es perfecta, desde mi punto de vista".
El Fortín hacia dentro es como si fuera el Guayaquil de ayer, no tienen un sitio específico donde trabajar, las personas lo hacen en las calles, explica el artista.
"Ha habido un cambio radical. Debido a los accidentes en la vía Perimetral, ahora hay resguardo de los vigilantes de la Comisión de Tránsito del Guayas, han puesto las zonas cebra y semáforos. Pero los vendedores, a pesar de que el Cabildo hace lo posible por sacarlos, se vuelven a ubicar".
Cree que la carrera de Afroson tuvo un impulso importante cuando el alcalde Jaime Nebot les dio trabajo en el Malecón del Salado. En este mes en la Plaza de la Música (junto al puente El Verelo) tendrán varias presentaciones. "Éramos una banda con doce integrantes y nuestro primer tema salió de casualidad, luego de una presentación en el Guasmo, se nos robaron todo, e hicimos un tema cuyo título era Los ladrones del Guasmo, pero ya no lo interpretamos", afirma.
Sobre qué piensa de la seguridad actual comenta: "Para mí ha mejorado, porque desde lo que pasó en el Guasmo hace seis años, a mí no se me pierde ni un alfiler... ¿será por qué soy un chico de color?, dice entre risas".
Anderson está convenciodo de que en la sociedad guayaquileña no existe racismo. "No, no lo veo así. Hasta ahora no he visto ese racismo, creo que así como a uno lo ven lo tratan y gracias a Dios uno se ha hecho conocer".
Este artista popular considera que el nivel de pobreza es menos que antes. "Será porque yo vivo de la música, tengo cómo desenvolverme, porque a la gente de Guayaquil le fascina farrear. Gracias a Dios me ha ido bien", opina mientras se prepara para un nuevo espectáculo.

*Publicado en El Telégrafo, Ecuador.

Vicentico estrena su nueva producción en Samsung Studio

El cantautor y músico Vicentico, ex vocalista de Los Fabulosos Cadillacs, estrenará las composiciones de su nuevo disco "Sólo un momento" el próximo viernes (repite el 15, 22 y 29) a las 22 en el local musical Samsung Studio (Pasaje 5 de Julio 444).
Luego de la exitosa gira "El Satánico Pop Tour" con Los Fabulosos Cadillacs que los llevó a presentarse ante más de 110 mil personas en el Estadio River Plate, realizar más de 50 shows a nivel internacional y recibir múltiples premios y nominaciones, Vicentico vuelve a la carga con un nuevo y esperado proyecto.
"Solo un momento" es el cuarto disco de su carrera solista, donde cada una de sus composiciones es un "único universo", según aclaró el músico.
Vicentico es autor de la mayor parte del disco y algunas canciones las compuso en conjunto con Cachorro López, quien también estuvo a cargo de los arreglos y la dirección musical junto a Sebastián Schon y al mismo cantautor.
El álbum se editó en simultáneo en España, Perú, México, Colombia, Ecuador, Venezuela, Chile, Uruguay, Centro América y Estados Unidos.

De InfoRegión, Argentina

Décimo Festival de Jazz de Avellaneda organizado por la UTN

La Universidad Tecnológica Nacional Filial Avellaneda organiza la Décima Edición del Festival de Jazz de Avellaneda, que se realizará el viernes 22 y sábado 23 de octubre a las 20.30, en el Teatro Roma, sito en Sarmiento 109, Avellaneda.
La actividad será a beneficio de la Escuela Nº 66 "Entre Ríos", ubicada en Gral. Pico y avenida Belgrano, de Villa Domínico, e instituciones de bien público.
Participarán la Porteña Jazz Band y la Antigua Jazz Band, además de bandas invitadas.
Venta de entradas: UTN Avellaneda, en la Secretaría de Cultura y Extensión Universitaria, en la Sede de Mitre 750, y en la Secretaría Académica y el Departamento de Graduados en el Campus Villa Domínico -sito en avenida Ramón Franco 5050-, o en la boletería del Teatro Roma -Sarmiento 109, Avellaneda.

Regina Spektor canta hoy y mañana en el Gran Rex

(PorYumber Vera Rojas*) Incluso al otro lado del teléfono, Regina Spektor se mantiene fiel a la magnética candidez que define a sus canciones, la misma que, amén de su prodigioso talento, le mereció comparaciones hiperbólicas. Ciertamente no peca de la transgresión de Lady Gaga, aunque eso no le impidió instalarse igualmente en el cénit de la música pop contemporánea y transformarse en un emblema de la autogestión.
"Alguna vez fui una artista independiente, y eso me permitió conocer a gente fabulosa como The Strokes", evoca la cantante y pianista de 30 años.
"No obstante, desde hace rato me encuentro en un sello grande que respetó todo lo que le pedí y que me deja hacer lo que quiero". Justo ahora que disfruta de la redención de su popularidad, esta estrella de origen ruso visita por primera vez Buenos Aires para presentar Far (2009), el disco que sucede al álbum que la descubrió al mundo: Begin to Hope (2006). "La diferencia entre un CD y otro no radica en la estructura de los temas, sino en la exploración de los sonidos. A veces me cuesta darme cuenta de esos contrastes porque uno crece, y son los demás los que los perciben".



El quinto álbum de estudio de esta pianista parida en la escena "antifolk" de la ciudad de Nueva York, al tiempo que alardea del grupo de reconocidos productores que le dio forma, entre los que figura Jeff Lynne (fundador de Electric Light Orchestra), nuevamente reincide en historias elucubradas por la volatilidad de la entelequia. Sin embargo, Far llega a rozar el filo de lo autobiográfico a partir de la revelación de temas laicos.
"Soy judía practicante. Así que mi relación con la religión es complicada porque me gusta pensar en ella más como una cuestión espiritual que en ese dogma generador de guerras y manipulador de las decisiones personales", puntualiza Spektor.
"En mis canciones siempre trato de abordar distintos puntos de vista acerca de este asunto". Pero fue su religión la que le brindó en mayo pasado una de sus experiencias más gratificantes: actuar en la Casa Blanca en honor a los judíos estadounidenses.
"Fue un orgullo y una gran emoción tocar para un presidente que voté. Los Obama son muy buena gente, especialmente a nivel humano. Aunque el condimento extra lo representó la presencia de mis padres en ese evento y en ese lugar, pues somos inmigrantes y agradecemos lo que este país nos dio".
Portadora de un timbre de voz pueril y de una pasmosa versatilidad con las teclas, Regina abandonó hace 21 años la Rusia de la Perestroika para establecerse junto a su familia en una Nueva York enfierrada con el House.
Tras desprenderse de su piano, de destapar la occidentalidad del pop ante el desconcierto de su temple mozartiano, de rebuscárselas con faenas tan desopilantes como la de criadora de mariposas y de integrar hace una década el circuito neoyorquino de cantautores, la incipiente obra de la moscovita llegó a los oídos del productor Gordon Raphael (responsable del éxito de los Strokes) y el sueño americano por fin le sonrió.
A pesar de la popularidad que goza hoy por hoy, la pasión que siente por esa metrópolis que la recibió con los brazos abiertos está intacta.
"Nueva York y el Bronx son mi hogar, y todavía me mantengo conectada con la ciudad gracias a sus olores, su sensibilidad y sus lugares. Cuando se desvanezca esa sensación, me preocuparé. Por cierto, me comentaron que Buenos Aires es igual de movida y bonita. Tendré un día libre y aprovecharé para conocerla. Espero que nuestra relación sea también intensa".

*De Clarín, Argentina. Publicado el 5 de octubre de 2010

Homenajes a Mercedes, a un año de su muerte

A un año de su muerte, el 4 de octubre de 2009, toda Argentina recordará hoy a Mercerdes Sosa, la cantante tucumana que difundió por el mundo el folklore argentino y que falleció a 74 años.
Lo cierto es que los homenajes se extenderán en todo el territorio nacional, y se expresarán a través de misas y conciertos en distintas ciudades de las provincias de Tucumán, Mendoza y Buenos Aires.
Sus sobrinos realizarán en la provincia natal de la cantante un recital tributo en el Museo Provincial General. Mientras que en Buenos Aires se llevará a cabo una misa en la Parroquia Nuestra Señora del Socorro.
Además, saldrá a la venta un disco póstumo que incluye temas de las últimas presentaciones de la cantante y la participación de distintos artistas nacionales e internacionales.

De InfoRegion, Argentina

Rak Banot, una banda femenina, de música judía religiosa

Karina Auday Krawiec, directora musical de la primera banda femenina judía-religiosa de Latinoamérica, "Rak Banot", concedió una entrevista a la revista Generación Judía, en la que habló de los shows realizados a lo largo de los cuatro años de vida del grupo, a lo largo y a lo ancho de Argentina.

Tras su paso por México e Israel (Karina), comenzó a concretar de a poco su sueño. En Israel tuvo la oportunidad de tocar en una banda de mujeres en Israel llamadas "Tofaah", que es la primera banda del mundo de mujeres religiosas. Rak Banot comenzó a principios del año 2006 cuando Laura y Karina formaron un dúo acústico. A los pocos meses de ese mismo año, se unieron al grupo Valeria y Divina, dando comienzo a una formación grupal más completa.
A principios del año 2009 se unen a la banda Andrea y Dana logrando que Rak Banot suene con más fuerza y potencia. El repertorio de la banda está compuesto por temas clásicos y modernos del repertorio judeo-israelí versionados en un estilo propio, también temas originales en español y en hebreo compuestos por Karina (quien sacó a finales del 2007 el disco "cambios") y canciones en Idish interpretados por Divina (quien sacó en el año 2008 su disco en idish "Shalom Baby"). La banda fusiona diferentes estilos musicales como el jazz, funk, rock, latin, bosanova, folklore y oriental.
"Hacemos repertorio y nos adaptamos al público ya sea en seminarios o en instituciones, ya que no es lo mismo para adolescentes o para mayores", destacó Karina.
Nombre: Luego de las primeras presentaciones (mayo 2006), Divina nos comentó una anécdota de Charly García donde pedía que suban al escenario solo chicas -"Only girl"- y así surgió el nombre pero casher: Rak Banot (Sólo chicas).
Proyecto: "Es la primera banda femenina judía de Latinoamérica, que realiza shows exclusivamente para público femenino (conforme a la ley judía). Nuestro objetivo es poder generar en nuestro público, alegría, inspiración y unión, compartiendo nuestra música y utilizando nuestro talento como un regalo que sirve para elevarnos espiritualmente y acercarnos a nuestro creador".
Objetivos: "Es enriquecer el repertorio -por ejemplo, Yerushalaim shel zaav en chacarera- y poder tocar temas propios, llegar a tocar para todo tipo de público y credos. Y otro es el crecer a nivel musical. Nosotros queremos dar simjá (alegría) a la gente como forma de unión. Es un proyecto idealista".
Acercar: Al hablar de la propuesta, Karina comentó que Rak Banot "es un proyecto de Kiruv (acercamiento), diversión con contenido espiritual y mística… Es una salida para la mujer, un espacio propio para disfrutar donde se divierte. Un espacio que la mujer necesita, y renueva las energías".
Dificultad: "Es difícil encontrar instrumentistas en el ambiente –judío- Mayormente es gente que quiere cantar, pero queremos que la gente escuche o participe desde su lugar". Por ejemplo, no pudieron ir todavía a Uruguay y Rosario por temas personales o familiares. Pero como dice Karina "le damos para adelante".
Consejos: "Que se busque el tiempo y que lo haga (dedicarse a la música), ya que la mujer tiene una fuerza increíble y es importante ponerla en acción. Y tocar instrumentos, estudiar, perfeccionarse y armar algo… y tener paciencia".
Deseo: "Nos encantaría que las comunidades –judías en especial- o personas nos ayuden a seguir adelante. Tenemos las ideas, el potencial, el arte pero no los medios pero siempre Baruj H –gracias a D’s- ayuda".
¿Quiénes integran Rak Banot?
Divina Gloria (Voz y percusión), Laura Museri Katz (voz), Karina Auday Krawiec (Bajo, guitarra y voces), Valeria Hamra (flauta), Andrea Citwar (teclado y voz) y Dana Najlis (bateria).
Contactos: Karina Auday (kauday@gmail.com).

Publicado en revista Generación Judía (www.generacionjudia.com.ar), noviembre de 2009.

Paraguay: Coro de Niños del Bicentenario tiene nuevos integrantes

El martes pasado se realizó la tercera audición para el Coro de Niños del Bicentenario en el Centro Cultural de la República "El Cabildo", en Paraguay. A la convocatoria se presentaron cerca de 50 aspirantes de distintas edades que pasaron por pruebas de aptitudes rítmicas y melódicas.
El director del Coro, Carlos Cazal y el profesor adjunto, Benito Román, que integraron el jurado, indicaron que encontraron muchas voces semiprofesionales.
El nuevo grupo seleccionado, se integrará al primero, a partir del próximo 2 de octubre y continuarán ensayando todos los sábados de 9:00 a 12:00 hs. en el Cabildo.
Los 19 nuevos integrantes del Coro son:
• Julieta Meritexell Wenz Aparici
• Noelia Aleli Valdez Espínola
• Rafael Tadeo Rojas Caballero
• Paulo Rodolfo Sánchez Zabala
• Maria Thalía Benítez Valdez
• Alexia Arréllaga Hiebl
• Caterina Gulino Alfonsi
• Miranda Verena Casco Ocampos
• Maia Wiebe Harder
• Mikal Noemí Pesoa Sánchez
• Sol Maria Cardozo Ocampo Aquino
• Andrea Anahi Pesoa Sánchez
• Sebastián Heuduck Percerisa
• Katharina Scliar
• Vanessa Sofia Valdez Espínola
• Giulia Manuela Da Silva
• Maria Paz Paredes
• Nancy Gabriela Ríos Dávalos
• Marina Vogt Ley

De Información Pública Paraguay (www.ipparaguay.com.py)

Diego Torres se presenta en GEBA

Después de muchos años alejado de los escenarios, Diego Torres vuelve a encontrarse con sus seguidores en la Argentina, en dos shows que dará en el estadio de Gimnasia y Esgrima de Buenos Aires (GEBA) el 2 y el 9 de octubre próximos.
Por localidades agotadas, sumó el 9 de Octubre al show del 2 del mismo mes en GEBA.
Torres presentará su nuevo disco, "Distinto" con dos shows en Buenos Aires a modo de puntapié inicial de una gira que lo llevará por Latinoamérica. Otros destinos serán México, la República Dominicana, Costa Rica y Panamá.
Pero antes de zarpar hacia el Caribe, Torres viajó a la ciudad de Córdoba, donde cantó en el estadio Orfeo el 14 de septiembre. Dos días más tarde dio un show en el Hipódromo de Rosario, en Santa Fe.


El regreso
Cuatro años después de su último multitudinario show en el Estadio de Vélez, volveremos a ver un show de Diego Torres en Argentina.
En los últimos meses lo volvimos a ver en publicidades, en programas de TV (participó en un programa de CQC Argentina), y en algunos entredichos “entre famosos”.
El cantante, autor, y hasta actor porteño de 39 años estuvo hace poco girando por Israel, Italia, Estados Unidos, y Colombia.
Los shows de Diego Torres en el GEBA de Argentina formarán parte de la gira “Distinto”, para presentar oficialmente en Argentina su último material de estudio, llamado con el mismo nombre y lanzado en 2010. Tiene 10 temas grabados, y su nuevo single (o corte de difusión) es “Mi corazón se fue”, el primer tema del disco.


Fuentes
CienRadios (www.cienradios.com.ar)
MinutroUno (www.minutouno.com.ar)
Prensa Internacional (http://internacionalprensa.blogspot.com)

Daniel Mercury en Córdoba y en Buenos Aires

Daniela Mercury, la cantante, compositora, bailarina y productora brasilera nacida en Salvador de Bahía vuelve a Buenos Aires con un show en el teatro Gran Rex, este viernes 1 de octubre.
Mercury es una de las cantantes brasileras más populares de todos los tiempos y viene a reafirmar que su magia sigue intacta en suelo argentino, después de su espectacular paso por el Luna Park en 2009.
Después de tres años del suceso “Balé Mulato”, éxito absoluto en críticas, ganadora de un Premio Grammy y visto por centenares de miles de personas en todo el mundo, Daniela Mercury, vuelve a unir a sus referentes musicales y artísticos en un proyecto múltiple, cuyo principal lema es el afecto, llamado “Canibalia”.
Esa es la esencia del show Canibalia, del cual la cantante Daniela Mercury hizo su lanzamiento mundial en Sao Pablo el 7 y 8 de Agosto y en Río el 22, 23 y 24 en el Canecao.
Según sus declaraciones: “Canibalia es la celebración de nuestro mestizaje, un manifiesto de afecto, una invitación a la libre expresión del arte, un homenaje a los creadores y a las criaturas. Nací Canibalista, exacerbadamente antropofagica, sin pudor de mezclar tradición e invención”.
El show en sí, forma parte de un gran proyecto homónimo de los próximos tres años, y además del show en vivo serán lanzados dos discos, un DVD, dos documentales, una muestra de arte con instalación musical y otras sorpresas.
Desde el escenario, se podrá apreciar danza, música, un espectáculo vigoroso y poético, alegre y muy profundo.
Las raíces del Candoble están presentes en las batidas y en las danzas que se misturan con música electrónica.
También habrá un sentido homenaje a Carmen Miranda, como parte de la celebración del centenario de la artista.
Daniela Mercury vuelve con todo al Gran Rex. Un día antes, el jueves 30 de septiembre, Mercury se presentará en Córdoba.
El Teatro Gran Rex está ubicado en avenida Corrientes 857, de la Ciudad de Buenos Aires.


Fuentes
Taringa! (www.taringa.net)
Entradas Que la pases lindo (http://entradas.quelapaseslindo.com.ar)
Musik (http://musik.com.ar)

Alejandro Lerner, en la Plaza de la Democracia

Armando Manzanero, “el maestro”, el más grande del bolero y Alejandro Lerner, un artista imprescindible para los amantes del pop romántico, se unirán en un encuentro único e inolvidable, “A 2 pianos.”, este martes 28 de septiembre, a las 19, en la Plaza de la Democracia, de Asunción, con entrada libre y gratuita. El evento es presentado en el marco de las actividades organizadas por el Bicentenario de la Independencia.
La Municipalidad de Asunción, la Comisión Municipal de Festejos por el Bicentenario de la Independencia Nacional y la Dirección General de Cultura y Turismo de la Comuna Capitalina presentan el mega concierto con la estelar presentación de estos consagrados artistas.
La apertura del evento estará a cargo del grupo vocal femenino recientemente creado “Quintaesencia”, integrado por Patricia Villafranca, Mirta Talavera, Cristina Ricardo, Zunilda Ramos y Alicia Ramírez.
Armando Manzanero ha escrito más de 400 canciones, de las cuales más de 50 han obtenido fama internacional. Ha participado en numerosos programas de radio y televisión; grabado más de 30 discos y musicalizado numerosas películas.
Más de medio siglo de éxitos internacionales como compositor, cantante, pianista y arreglista enmarcan su brillante trayectoria.
Sus canciones han sido interpretadas por personajes de talla internacional como Frank Sinatra, Tony Bennet, Elvis Presley, Frank Pourcel, Paúl Muriat, Ray Conniff, Manoella Torres, Marco Antonio Muñiz, Edith Márquez, Raphael, Moncho, José José, El Tri, Andrea Bocelli, Andrés Calamaro, Cristina Aguilera y Luís Miguel.
Entre sus canciones más populares están: “Voy a apagar la luz, Contigo aprendí, Adoro, Esta tarde vi llover, Por debajo de la mesa, Somos novios y Felicidad”.
En cuanto a Lerner, el tecladista, cantante y compositor se inició en grupos musicales del colegio hasta que fue descubierto por Raúl Porchetto. Después de varios intentos fallidos de consagrarse en grupos musicales en 1982 lanzó su trabajo “Alejandro Lerner y la Magia” con rotundo éxito.
El material que lo catapultó al éxito fue “Todo a Pulmón” (1983) cuyo apogeo se prolongó hasta “Lernertres” actuó con Leon Gieco, Sandra Mihanovich y ganó el Martín Fierro por su trabajo “Volver a Empezar” que otorga APTRA por el tema principal de la serie \"RR.DT.\", de Canal 13 y el disco fue un suceso en ventas al conseguir el cuádruple platino. También ganó el trofeo más importante al que pueda aspirar un compositor: el premio ASCAP (otorgado por la sociedad de autores y compositores norteamericanos) por su canción \"Dame\", que interpretara Luís Miguel.


De IPP (Información Pública Paraguay)

El gaitero más famoso, de vuelta en América Latina

Carlos Núñez, el gaitero español más famoso está de visita en América Latina, y se presentará este viernes 17 de septiembre en México, para dar a conocer su más reciente disco "Alborada do Brasil" y ofrecer un concierto en el estado de Puebla.
El ganador del premio Grammy 1997 en la categoría de Best World Music, explicó que el álbum es un viaje extraordinario en busca de las conexiones musicales entre Galicia y Brasil.
Todo comenzó cuando descubrió que su bisabuelo, que era músico, había emigrado a Brasil y allí desapareció. Le habían dicho que lo habían asesinado por celos; sin embargo, fue una historia que nunca creyó y viajó allá para descifrar el misterio.
Núñez se encontró con que su bisabuelo José M. Núñez, quien partió de España en 1904, tuvo una segunda vida en Brasil, modificó su nombre y se convirtió en un gran músico.
"Alborada do Brasil" es un viaje de más de un año en el que hemos descubierto que allí vive escondida una parte de nosotros, feliz y mestiza, que puede ser clave para nuestro futuro. Las letras están inspiradas en los elementos de la naturaleza", comentó.
En el álbum aparecen músicos invitados como The Chieftains, Carlinhos Brown, Lenine, Adriana Calcanhotto, Jaques Morelenbaum, Dominguinhos, Fernanda Takai, Yamandú Costa, la Escola do Samba Beija Flor, Wilson das Neves y Dj CIA, por citar algunos.
Carlos Núñez se declaró fiel admirador de la música mexicana, incluso, dijo seguir a varios de sus exponentes; sin embargo, cree que para poder realizar un disco bajo ese concepto requiere de mucho tiempo de preparación.
"Para crear ‘Alborada do Brasil’ nos tomó tres años, así que podríamos tardarnos el mismo tiempo o más para una producción mexicana, se necesita prepararlo con calma. Sinceramente, sería un verdadero sueño hacerlo, algo maravilloso", destacó.
El artista toca la flauta y la gaita. El primer instrumento, dice, "es mi amor platónico, mientras que la gaita es un amor más carnal y aristotélico, es sensual. Es como la guitarra eléctrica de hace mil años, porque es muy potente y su sonido es muy fuerte, incluso puede asustar.
A lo largo de su carrera profesional, Carlos Núñez ha vendido millones de discos en el mundo. Obtuvo un Premio Ondas, dos candidaturas en solitario a los Grammy latinos, además de haber recibido galardones en todo el mundo.
También nominado como embajador Europeo de medio ambiente, definido como "la única estrella planetaria de la gaita" por Libération, o como "el Jimi Hendrix de la gaita", por Billboard.

El gaitero más famoso
Núñez nació el 16 de julio de 1971, en la ciudad española de Vigo y comenzó a tocar la gaita gallega a los ocho años. A los doce años fue invitado a tocar en la Orquesta Sinfónica de Lorient y en 1989 grabó junto al grupo irlandés The Chieftains la banda sonora de la película La Isla del Tesoro, con los que seguiría colaborando hasta ser conocido como el séptimo Chieftain.
Núñez además completó su formación en la enseñanza académica obteniendo la calificación de Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera (Cum Laude) en el instrumento flauta de pico por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.
Carlos Núñez es un músico de la música celta y en el panorama internacional es considerado un erudito del tema. Sus investigaciones siguen básicamente dos líneas relacionadas entre sí: el origen de la música celta y su fusión con las músicas del mundo actuales. Su interés por el tema le ha llevado a recorrer el globo y a relacionarse con músicos y artistas de los países que ha visitado, para luego plasmar sus conocimientos y experiencias en su prolífica discografía.
Una característica fundamental de Carlos Núñez y su música es la de colaborar con todo tipo de músicos de cualquier nacionalidad tanto en la grabación de sus discos como en sus actuaciones en directo. La Carlos Núñez banda con la que toca en directo se compone de reputados músicos como su hermano Xurxo Núñez, percusionista gallego; Pancho Álvarez, guitarrista y violinista; y Begoña Riobó, violinista.
Así, Núñez ha colaborado con destacados artistas españoles como Vicente Amigo, Carles Benavent, Luz Casal, Kepa Junkera y Carmen Linares. De entre los muchos músicos internacionales con los que ha tocado o grabado destacan The Chieftains y sus integrantes Paddy Moloney, Sean O'Ríada y el difunto Derek Bell. Además de ellos cabe destacar a León Gieco, Dan Ar Braz, Jackson Browne, Phil Cunningham, Ry Cooder, Ronnie Drew, Frankie Gavin, Roger Hodgson, Paddy Keenan, Joan Manuel Serrat (en Sombras de la China), Noa, Máirtin O'Connor, Liam O`Flynn, Dulce Pontes, Teresa Salgueiro, Sharon Shannon, Donald Shaw, la Vieja Trova Santiaguera y la Banda de Gaitas de Cea (Orense).
En el marco de su colaboracion con artistas internacionales, Carlos Núñez fue invitado a participar en el "Earth Celebration 2006", festival internacional que se celebra cada verano en la japonesa isla de Sado, organizado por KODO, afamado grupo nipón de taiko.
Además, en 2006 colaboró en la banda sonora de la película Cuentos de Terramar, de Gorō Miyazaki.

La importancia de América Latina
En 2009, y en una nota concedida a la agencia de noticia EFE en Buenos Aires, Núñez había asegurado que cree firmemente que el futuro de la música celta está en Latinoamérica, una tierra de mixturas.
"La música celta del futuro tenemos que hacerla aquí, en Latinoamérica", dijo el artista vigués en la entrevista.
Pero sus vientos de buscador lo habían llevado, en la etapa de afianzamiento de su carrera, a las costas de Gales, al Tánger, luego Marruecos, Rumania y hasta Buenos Aires.
"Os Amores Libres", un disco central en su obra, se grabó en diez países diferentes y contó con la colaboración de más de cien músicos como Ry Cooder, Jackson Browne, Paddy Keenan, Liam O’Flynn, Phil Cunnigham, Tino di Geraldo, Vicente Amigo, Juan Manuel Cañizares, entre otros, todos ellos los más importantes músicos de sus tierras.
Mucha literatura se mezcla en sus discos, las letras de muchas canciones son antiguos poemas o están basadas en leyendas populares, y hasta poemas de Federico García Lorca. Al respecto asegura "que la poesía es música y la verdad es que al transformarlas directamente en canciones llegas a conocer esos versos hasta en sus entrañas".
La letras de Núñez, además, tienen un fuerte tono en el que arremete contra la discriminación y el racismo, contra los obsoletos prejuicios y las históricas masacres que este mundo ha vivido.

Algunas canciones de Núñez:
A lavandeira da Noite, junto a la canante israelí Noa


Amanecer


El pozo de Aran


Negra sombra, con Luz Casal


Muiñeira de Chantada, con The Chieftains


Fuentes:
Mujer Hoy (www.hoymujer.com)
Sitio al Margen (www.almargen.com.ar)
Música Celta Argentina (http://musicaceltaargentinafotos.blog.arnet.com.ar)
El Financiero, México (www.elfinanciero.com.mx)
Wikipedia (http://es.wikipedia.org)
Youtube (www.youtube.com)

Lady Gaga se quedó con ocho MTV Video Music Awards

Lady Gaga hizo suyos por completo los MTV Video Music Awards, los premios de ese canal dedicados a los mejores vídeos musicales del año, y se alzó con ocho de los trece galardones a los que aspiraba, incluido el de Mejor Vídeo del año, por "Bad Romance".
Otras de las estatuillas que se llevó en la gala, organizada en el teatro Nokia de Los Ángeles (California), fueron las de Mejor Vídeo Pop, Mejor Vídeo de una artista femenina, Mejor Vídeo Dance (todas ellas por "Bad Romance") y Mejor Colaboración, este último por "Telephone", con Beyoncé.
Los demás galardones le llegaron por categorías técnicas: Mejor Coreografía, Mejor Dirección y Mejor Edición, todos por "Bad Romance". Además Gaga aprovechó la ocasión para anunciar que el título de su siguiente álbum se llamará "Born This Way".
Lady Gaga obtiene así el segundo mayor número de premios conseguidos por un artista o banda en estos premios, empatada con los noruegos a-ha. El récord lo posee Peter Gabriel con nueve galardones, en 1987, por "Sledgehammer".
Entre los hombres destacaron los premios para Eminem, que se llevó el de Mejor Vídeo de un artista masculino y Mejor Vídeo de hip-hop, ambos por "Not Afraid", y el adolescente Justin Bieber, que se hizo con el premio al Mejor Vídeo de un nuevo artista por "Baby", en el que también interviene Ludacris.
El otro galardón que se entregó en directo fue el de Mejor Vídeo de Rock, para 30 Seconds to Mars.
El resto de premios en categorías técnicas fueron los de Mejor Dirección Artística, para Florence + The Machine, por "Dogs Days Are Over"; Mejor Fortografía, para Jay-Z & Alicia Keys, por "Empire State of Mind"; Mejores Efectos Visuales, para Muse, por "Uprising"; y Vídeo más original a The Black Keys, por "Tighten Up".
La ceremonia resultó tediosa, salvo algunos destellos de brillantez en las actuaciones musicales, principalmente en las del dúo musical formado por Eminem y Rihana, que interpretaron "Love The Way You Lie", la de Florence + the Machine, con "Dog Days Are Over", y la de Kanye West, que cerró el evento con un tema inédito.
La gala, presentada por la humorista Chelsea Handler, arrancó con fuerza con un "gag" protagonizado por Lindsay Lohan, que no dudó en parodiar sus problemas con la bebida. La actriz, en tono bromista, le preguntó a la presentadora si estaba borracha y le avisó de que nadie quiere trabajar con borrachos.
."Aprende de mí, la gente no quiere que lo hagas", afirmó.
La retransmisión duró más de dos horas y contó con algunos momentos llamativos, como cuando Bieber parecía no encontrar el camino al escenario para recoger su premio o los problemas que sufría Gaga para levantarse de su asiento debido a los excéntricos vestidos que lució.
Entre esos modelos no dudó en mostrar el polémico que apareció recientemente en la portada de la versión japonesa de la revista Vogue, con trozos de carne cruda.
Otras actuaciones musicales destacadas fueron las de Usher, que trató de emular a Michael Jackson con sus movimientos sobre la pista mientras el diseño de producción dejaba asombrado al público, y la de Taylor Swift, quien entonó una balada llamada "Innocent" que sirvió de absolución para Kanye West, tras el incidente que protagonizó en la gala del año pasado.
West interrumpió entonces el discurso de Swift tras hacerse con el Mejor Vídeo de una artista femenina y dijo que "Single Ladies", de Beyoncé, debía haber ganado.
Drake, B.o.B, Hayley Williams (de Paramore) y Linkin Park, estos con una actuación desde el observatorio Griffith de Los Ángeles, pusieron la puntilla justo antes de dejar paso a Cher, quien presentó el Mejor Vídeo del Año con una chaqueta de cuero y un vestido transparente con lentejuelas, el mismo atuendo que portó en el vídeo "If I Could Turn Back Time", rodado hace 21 años.
"Tengo zapatos que son más viejos que la mayoría de los nominados", afirmó.

De agencia EFE. Publicado en El Telégrafo, Ecuador.

Souad Massi, la cantante argelina de la nostalgia

En 2006, una nota firmada por Carlos Galilea en portal “Mediterráneas” (www.mediterraneas.org), que si de algo sabe es de la cultura de los países en torno al mar Mediterráneo, con sus músicas incluidas, la definió como “la nueva voz femenina del mundo árabe”.
Afortunadamente, Souad Massi es mucho más que una “voz femenina del mundo árabe”, y no sólo desde aquel hoy lejano 2006 ha logrado pisar firme en Francia, un país al que su Argelia natal sigue ligada. También se ha afianzado en Europa y en África, y avanza.
Mucho es lo que ha conquistado Souad Massi, remando contra las industrias de la música occidentales que imponen otras propuestas.
Souad Massi nació en Argel, la capital de Argelia, un país ubicado en el norte del continente africano, recostado sobre el Mar Mediterráneo. Llegó a este mundo un 23 de agosto de 1972.
Hija de una humilde familia de melómanos, se crió en el barrio de Bab El-Oued, donde descubrió géneros musicales tan similares y a la vez diferentes entre sí, como el chaabi (que puede referirse por igual a dos géneros distintos de música del norte africano), el rock and roll, el pop, el country, el folk.
Pese a ese amor desordenado, o melómano, que había en su casa por la música, Souad intentó abrirse paso por la senda de la formación musical, por lo que aprendió a tocar la guitarra y estudio solfeo, como pasos previos a su integración al grupo Triana d'Alger, en 1989, con 17 años.
En 1991, grupos islamistas desataron la que rápidamente se convirtió en la Guerra Civil argelina, y que habría de prolongarse casi por una década, hasta que, con la victoria del gobierno tras la rendición del Ejército Islámico de Salvación y la derrota de 2002 del Grupo Islámico Armado, retornó la normalidad al país africano.
Claro el saldo de 200 mil muertos deja a las claras el clima que se vivió en aquel período, y que, en el caso de Massi, cortó su incipiente carrera musical. Souad decidió, en medio de los toques de queda, estudiar urbanismo e ingeniería.
Pero la música ya estaba inscripta en ella, por lo que tiempo más tarde dejó la carrera de urbanismo, para grabar un disco que la ayudó a promocionarse entre un público anglosajón.
En enero de 1999, en pleno mes sagrado islámico del Ramadán, la invitaron a un festival de Argelia en el Cabaret Sauvage de París, y se quedó en Francia, firmando un contrato con la Island-Mercury.
Raoui salió en 2001, luego Deb en 2003, y así comenzó a escribirse la historia de esta artista argelina que mezcla estilos diversos como el pop, la música árabe-andalusí para textos personales, a menudo tristes, cantados en árabe argelino, francés y bereber.

Consideraciones sobre Madreselva
En España, Souad Massi ha conseguido un reconocimiento bien ganado, y más que amplio, presentándose desde hace más de un lustro en diferentes ciudads, y cada vez con un número más importante de público.
Y es que sus canciones, “inspiradas por la nostalgia”, como las define, están regadas un poco con la música de cada uno del los territorios que el Mediterráneo baña.
“Me encanta la música occidental y siento un profundo respeto por la oriental. Lo que hago es darle color a la música moderna a base de introducir instrumentos clásicos árabes", explicó en una nota al diario El país, de España.
En ese artículo, hablaba de su tercer disco, Mesk Elil (Madreselva), y explicaba que “el olor de la madreselva me trae recuerdos de infancia, de la familia y del Mediterráneo. La nostalgia me ha inspirado para escribir las canciones del disco”.
Para entonces, ya llevaba tiempo viviendo en Francia, y, explicaba, “sientes que estás lejos de tu país y que te pierdes muchas cosas. Eso empieza a pesar”.
"No he inventado nada. La influencia arábigo andaluza se deja sentir: "De joven me gustaba el flamenco y estuve en un grupo de rumba".
Con 17 años cantaba sola con una guitarra y después con el grupo de rock Atakor. "Hasta que estalló el terrorismo y tuvimos que dejarlo porque era muy peligroso", recuerda. "Cuando tienes esa edad y la gente te mira mal o te insulta no lo entiendes. De niña era muy muy tímida, pero también muy rebelde", confiesa. "La primera vez que salí a un escenario sentí tanto pánico que no pude cantar. Y esa sensación no me ha abandonado".
Vivió una experiencia desagradable en el aeropuerto de Los Ángeles. "Nos detuvieron en la escala camino de Tahití. Pasamos casi 48 horas en unas dependencias. Yo estaba embarazada de tres meses y no me sentía nada bien. Resulta que teníamos un visado que nos permitía trabajar en Estados Unidos, pero no transitar por el país. Hacen leyes bien raras. Y te preguntan estupideces como si tienes intención de asesinar al presidente".
"Mi sueño no era ser cantante. Lo que yo quería era ser un hombre muy fuerte", confiesa riendo. Quiere dejar claro que dejó Argel por razones profesionales. "Trabajaba en un gabinete de urbanismo como becaria y la música no era algo tan serio", dice.
En enero de 1999 llegó a París para cantar en un Festival de Mujeres de Argelia. "Salió bien y me quedé. Los conciertos y los viajes me han permitido evolucionar. No creo que eso hubiera sido posible en Argelia".
Mientras que en su portal, por estos días, promociona nuevo material, quienes quieran pueden ir rastreando los discos Raoui (Cuentacuentos), de 2001, al que sucedió Deb, en 2003. O el que consagró definitivamente a Massi: Mesk Elil (Madreselva), de 2005.
También se puede conseguir más información en el sitio oficial de la cantante argelina: www.souadmassi.net

Aquí, algunas canciones de esta exquisita cantante argelina…

Khallouni


Le bien et le mal


Tell me why


Ech Adani


Awham


Ya Wlidi (en vivo en San Pablo, Brasil, en 2008)


Fuentes:
Mediterráneas (www.mediterraneas.org)
Wikipedia
El País, España
Souad Massi, sitio oficial (www.souadmassi.net)