Quizás Manuelita, el Brujito de Gulubú, o La reina Batata le susurraron al oídos durante los minutos finales de su paso por esta vida. Tal vez se fue acompañada por todos esos personajes de fantasía a los que le supo dar vida y magia, allá por las décadas del 60 y del 70 los primeros, aunque hubo muchos más después. Esta mañana, a los 80 años, murió María Elena Walsh, sin dudas la cantautora, poetiza, escritora, dramaturga y compositora -sobre todo abocada al público infantil- más grande que tuvo argentina, cuya obra, basta, causó admiración en el mundo entero. La artista falleció "luego de una prolongada internación y como epílogo de padecimientos crónicos que la aquejaban", indicó un parte médico del Sanatorio de la Trinidad. Los restos serán velados entre las 17 y las 24 en Lavalle 1547, sede de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (Sadaic), y serán inhumados mañana desde las 11 en el Panteón que la entidad posee en el Cementerio de la Chacarita. La galería de personajes de Walsh acompañó a varias generaciones de argentinos desde hace más de 60 años. Nació en Ramos Mejía, en el sur del conurbano bonaerense, en febrero de 1930. Y publicó su primer libro cuando apenas tenía 17 años y le faltaba poco para terminar sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Ese libro se llamó Otoño imperdonable y fue el primero de muchos hitos. Ella se autodefinía en los últimos años como cupletista, en referencia a "las mujeres con hermosos vestidos fruncidos y con volados que cantaban canciones populares y también picarescas". Su obra no se limitaba al universo de los niños. En la década del 60, por ejemplo, estrenó en el San Martín, nada menos, Canciones para mirar, que luego fue grabada en disco. Y en 1979, en plena dictadura militar, la edición de Desventuras en el País-Jardín de Infantes puso en palabras lo que muchos otros no se atrevían siquiera a pensar. En el catálogo de obras imperecederas están también Doña Disparate y Bambuco. Y los libros El reino del revés, Cuentopos de Gulubú, Hecho a mano y Juguemos en el mundo, Tutú Maramba, Zoo Loco, Dailan Kifki y Novios de Antaño. En 1985 fue nombrada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y, en 1990, Doctor Honoris Causa de la Universidad Nacional de Córdoba y Personalidad Ilustre de la Provincia de Buenos Aires.
Teena Marie, una de las cantantes blancas de soul y R&B de mayor éxito, murió en su domicilio del sudeste de Los Ángeles.
Aparentemente, la cantante, de 54 años, murió mientras dormía y fue encontrada ayer, día de Navidad, por su única hija, informan medios locales estadounidenses, que no precisan las causas del fallecimiento.
Sus mayores éxitos llegaron en la década del ochenta con trabajos como Lady T, sobrenombre por el que también se la conocía.
En la década del noventa publicó Ivory y Passion Play, mientras que los últimos álbumes fueron La Dona, en 2003, y Sapphire, en 2005.
Conocida como la “Reina de Marfil del Soul”, Teena Marie nació en la ciudad de Santa Mónica (California, Estados Unidos), en 1956, y creció en un barrio de Los Ángeles conocido como Venice Harlem con una mayoría de habitantes negros.
Con una fuerte influencia afroamericana, la cantante, cuyo nombre original era Mary Christine Brockert, publicó con el mítico sello de soul y R&B Motown su primer disco, Wild and Peaceful (1979), a los 19 años, producido por el legendario Rick James.
Sus éxitos cosechados con sus trece álbumes la llevaron a estar cuatro veces nominada a los premios Grammy, según los datos biográficos que aparecen en su propia página de Internet.
En 1982 la cantautora estadounidense inició una batalla jurídica contra la compañía discográfica Motown, un pleito del que finalmente resultó airosa.
Aquella disputa legal quedó en la historia de la música como Teena Marie Bill, una jurisprudencia votada en el Congreso estadounidense y que protege a los artistas que están en conflicto con sus casas disqueras.
Con su espectáculo “A Orillas del Mediterráneo”, Liliana Benveniste recorre la música sefaradí que tiene su origen en aquellos judíos expulsados de España en el año 1492 partiendo desde la misma península y recorriendo canciones de Turquía, Marruecos y Grecia.
Cantada en idioma ‘ladino’ también conocido como ‘judeoespañol’ cada canción tiene el aire fresco y dulce de aquellas zonas combinando ritmos y melodías románticas, alegres, emotivas, melancólicas y hasta picarescas.
El fresco atardecer de verano porteño en los hermosos jardines del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco y la puesta en escena de efectos y luces de colores que acompañaban las canciones eran el marco perfecto para que los más de 250 asistentes que desbordaron la capacidad del lugar hayan disfrutado una noche inolvidable.
Así pudimos escuchar “Dos amantes tengo la mi mama” canción de Sofía, Bulgaria; una canción de amor de Turquía “La prima vez”; “Mama yo no tengo visto”; “Ya salió de la mar la galana” canción de boda de Salónica, Grecia; “Ashuar muevo” y “El banyo de la novia” canciones de boda de Marruecos donde Liliana además toca la guitarra; “Yo me’namorí de un ayre” canción de amor de Rodas, Grecia; “Ija mia te kero dar” canción humorística de Chanakkale, Turquía; “Yo en la prizion, tú en las flores” de Turquía; “Si veriash a la rana” otra canción humorística de Turquía y Bulgaria; “Ken me va a kerer a mi” de Turquía; “Yo hanina, tu hanino” una canción de amor de la ex-Yugoslavia; “Samiotisa” una preciosa canción popular de Grecia mezclando el griego y el judeoespañol; “Peshkado frito” canción picaresca de Tetuán, Marruecos. Además como siempre Liliana sorprende con algo autóctono en este caso con una transliteración propia al ladino del tango “El día ke me keras” en una preciosa interpretación.
También dos canciones nuevas que se incorporaron recientemente al repertorio sefaradí: la canción de cuna “Leche, kanela i miel” y la humorística y galardonada “Alevantate Nissim” ambas con letra de la poetiza argentina Beatríz Mazliah y la música de Liliana Benveniste.
Tres excepcionales músicos conforman el grupo que acompañó a la intérprete: Uriel Kitay en mandolina y acordeón, Adrián “Colo” Mirchuk en teclados y Horacio Cacoliris con múltiples instrumentos a cargo de la percusión.
La organización estuvo a cargo del Museo Fernández Blanco y de eSefarad: Noticias del Mundo Sefaradí www.eSefarad.com en ocasión de su 2º aniversario y fue auspiciado por la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA), Federación Sefaradí Latinoamericana (FeSeLa), el Centro de Investigación y Difusión de la Cultura Sefardí (CIDiCSef), Radio Jai FM 96.3 y la Universidad Maimónides.
“A Orillas del Mediterráneo” es un espectáculo de nivel internacional que asegura el disfrute, la emoción y el recuerdo para todo público sin distinción de edad ni de religión.
Tras su gira europea del 2010 el público pudo notar el crecimiento artístico de Liliana Benveniste superándose a si misma y proyectándola como una de las más importantes cantantes del repertorio sefaradí clásico y moderno de la actualidad.
En el marco de la Conmemoración Nacional del Bicentenario, se presentará el espectáculo interactivo "1811 al Bicentenario, mujeres que hicieron historia", del miércoles 15 al sábado 18 de diciembre, a las 21, en el Teatro "José Asunción Flores" del Banco Central del Paraguay. La Orquesta Sinfónica Nacional tendrá a su cargo la interpretación de las músicas de las diferentes épocas. La entidad responsable de la organización es la Fundación Madre Paraguaya, soporte del Despacho de la Primera Dama de la Nación, a cuyo beneficio se realizará este evento artístico, según informe de prensa de la Secretaría Nacional de Cultura. El espectáculo es una idea original concretada por el coreógrafo y director de escena, el español Mario Martens y consiste en una singular remembranza de los hechos que marcaron el mundo desde la llegada de los españoles a América en 1492 hasta la emancipación del Paraguay en 1811. Esta representación de sucesos históricos será a través del teatro, la música y la danza. Integran el gran elenco artístico la actriz Clotilde Cabral, el actor Jorge Ramos, además del director de la Orquesta Sinfónica Nacional, maestro Juan Carlos Dos Santos y otros renombrados y actores, músicos y bailarines. Es una producción nacional que conmemorará a las mujeres que hicieron historia, olvidadas por los escritores de su tiempo, en el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia Nacional, concluye el informe de prensa.
A diferencia de otros conciertos de Joan Manuel Serrat en donde se produce un silencio casi religioso entre un tema y el siguiente, en esta oportunidad, las toses y balbuceos de los chicos se juntaban con la llegada de algunos pacientes que eran acomodados en los pasillos laterales de la sala junto a un respirador artificial. El sábado, ante un auditorio colmado de padres, chicos y personal clínico, el cantautor catalán ofreció un recital en el aula magna del Hospital de Pediatría Juan Garrahan. En plan acústico, Serrat realizó desde las 13.30 un recorrido por los hits históricos que volvieron fans a varias generaciones de argentinos. En total fueron siete las canciones que hizo en esta segunda visita al hospital. La primera había sido en 2007. Con la guitarra en la mano y acompañado en el teclado por el maestro Ricard Miralles, su compañero musical desde hace varias décadas, Serrat agradeció a los concurrentes y sin esperar respuesta soltó Cantares . Luego, siempre sonriente, contó que por estos días está presentando su disco homenaje al poeta Miguel Hernández. De aquella placa hizo La palmera levantina . En la platea, donde unas 400 personas colmaban el lugar, algunos nenes en silla de ruedas filmaban el recital que el músico les estaba brindando.
Al sonar los primeros acordes de Esos locos bajitos muchos se pusieron de pie mientras la conocida melodía les sacaba una sonrisa a las familias reunidas. Al terminar, se quedó un rato ajustando su guitarra y reflexionó: "El calor humano tiene grandes ventajas y algunos inconvenientes: desafina las cuerdas de la guitarra. Pero ese tiene poca importancia". A continuación hizo Mediterráneo y volvió a hablar: "Aprovecho el inciso para agradecer a todos aquellos que trabajaron un domingo para que se pueda dar este recital". Mientras una enfermera se abría paso hacia la salida con un muchachito en brazos, otra saludaba a una nena con la cabeza vendada, que miraba con sobresalto como se llevaban a su amigo. Después llegaron Aquellas pequeñas cosas y Hoy puede ser un gran día , donde el público coreó y aplaudió cada unas de las estrofas. Dando a entender que todo había terminado, saludó a los médicos de la primera fila, estrechó varios pares de manos, besó a los nenes que lo miraban con dulzura, posó para las fotos y cuando parecía que la música ya se había acabado, se calzó la guitarra al hombro y cerró el recital con Penélope. Beatriz Resnik, directora de Relaciones Institucionales de la Fundación Garrahan, señaló con emoción: "Estamos agradecidos por la generosidad de Serrat". También, leyó la carta que Ana Paunero, la fallecida jefa de prensa de la institución, le envió al cantante para invitarlo a tocar en 2007: "Nos gustaría que te hicieras un lugarcito en tu voz para que puedas cantar para los chicos". Los locos bajitos con diversas afecciones, agradecidos.
Speak now (Habla ahora) no es un simple álbum para Taylor Swift. Al contrario, para la cantante de música country pop, el tercer disco de su carrera relata sus amores y desamores. Habla sobre las personas que ha conocido durante su camino hacia la fama. La rubia y delgada cantante resume esas historias de su vida en 14 canciones, las que componen Speak now, el disco que presentó el pasado 25 de octubre. "Estas canciones se componen de palabras que no dije cuando el momento justo estaba en frente de mí. Estas canciones son cartas abiertas. Cada melodía es una confesión diferente para una persona distinta", expresó la cantante y compositora estadounidense, de 20 años. Swift ha vendido más de un millón de copias del disco Sepak now, que fue grabado para el sello independiente Big Machine Records. Entre los temas a los que se refiere la artista constan Mine, su sencillo promocional. "El contenido de esa canción es acerca de cómo encontrar la excepción. Su mensaje sugiere cómo encontrar a una persona que te haga creer en el amor y descubrir que puede funcionar. En mi caso, nunca voy a perder la esperanza de que el amor puede funcionar", explica Swift sobre Mine. Además de esa canción, el disco contiene otras como Speak now (homónima del álbum) Sparks fly, Back to december, Dear John, The story of us, Better than revenge, Innocent, Long live y Last kiss, también integran la producción. Todas las melodías fueron escritas por Swift, quien contó con la coproducción de Nathan Chapman, el mismo que estuvo a cargo de sus discos anteriores. "Nunca había escrito todo un álbum sola. Componer es una de mis actividades favoritas. Hace que la vida tenga más sentido para mí", confiesa la cantautora, quien recientemente fue premiada en los BMI como Mejor compositora country del año. Aquella distinción solo ha sido una de las muchas que la cantautora nacida en Pennsylvania ha logrado. El despegue de su carrera como cantante se dio cuando el productor Scott Borcheta la descubrió en el concurso The Bluebird Café. En aquella época Taylor Swift tenía 14 años. En 2006, su primer álbum homónimo titulado Taylor Swift recibió el premio de la Asociación de Compositores de Nashville al Mejor cantante y compositor. Ella se convirtió en la artista más joven que lo ha recibido. Dos años después, su carrera se afianzó con el lanzamiento de su segunda producción discográfica Fearless. Con ese disco obtuvo cuatro premios Grammy de los ocho a los que estuvo nominada. También se llevó el premio en la gala Movie Awards, en la categoría de Mejor video femenino por su single You belong with me. Ahora con Speak Now, Taylor Swift propone a quienes escuchen sus canciones no callar lo que se siente. Ella "habla ahora" de su vida.
La Mala Rodríguez estuvo en la primera noche del Festival Nem - Catacoa, que se realiza en Cajicá, municipio cercano a Bogotá, Colombia, y mostró mucho de lo mejor de lo suyo. Por el festival pasarán artistas como Green Day, Jamiroquai y The Bravery, y locales Superlitio, Don Tetto. Para la española, fue la presentación oficial de su último álbum “Dirty Bailarina”, ante el público colombiano.
A continuación, una nota y entrevista a Mala Rodríguez, con la firma de Mayra Hernández, y publicada por la revista Shock (www.shock.com.co).
A mí me parieron fuerte, me criaron fuerte, caminé fuerte, siempre hablé fuerte”. Eso canta y nadie lo duda. El mundo lo sabe desde hace 10 años, cuando rotó por los diales hispanos Tengo un trato, el éxito apabullante de Lujo Ibérico, el Lp con el que ella, una rapera de sangre sevillana y aires gitanos, le dijo al mundo “esta soy yo” en un tono tan seductor como desafiante. Y es que ella, más que nadie, sabe quién es y lo que se trae, y por eso remata con esas certezas biográficas Galaxias cercanas, uno de los sencillos con los que vuelve al ruedo, aunque esta vez, más que cabreada, lo hace impregnada de amor. Así es. La Mala Rodríguez ha vuelto con toda. Igual de imponente pero en su versión ‘soft’, con un aura despejada y más profunda que nunca, ha llegado para presentarnos 'Dirty bailarina': más que su cuarto álbum de estudio, el nombre con el que bautizó a su tataranieta, la heroína de su mundo de ficción. Para conocerla, La Mala, que en realidad se llama María Rodríguez Garrido, tiene 31 años y dos pequeños, se embarcó en una fantasía, en un viaje singular con destino al futuro, donde descubrió a su descendiente: una niña que le señaló un destino trágico pero reparable. Esa heredera de su sangre y de su flow se convirtió en su musa, la guía que necesitaba para componer este trabajo que es también una advertencia.
Un disco más introspectivo, melódico y definitivamente más romántico que los anteriores, pero no por eso menos contundente y callejero, no por eso con menos talante o irreverencia, no por eso menos inspirado en los de abajo: los olvidados y los excluidos. No en vano, quizá, para pintar ese mundo surreal La Mala buscó a Jan Saudek, un fotógrafo polaco famoso por sumergirse en las cloacas de la vida para retratar, sin escrúpulos, a prostitutas, huérfanos y vándalos. Hay quienes la conocieron cuando ya era una de las grandes por discos como Alevosía (2003), con el que obtuvo su segundo Disco de Oro, y temas impactantes como 'La niña', con el que despertó controversia por arriesgarse a hablar de una pequeña que traficaba drogas; sin embargo, desde el 93 La Mala viene forjando su biografía. A los 12 ya era toda una experta en el arte vandálico. En La Macarena, el barrio de Sevilla donde creció, andaba con aerosoles entre los bolsillos y entrenaba con los breakers de las esquinas esas rimas alebrestadas que, años después, la harían digna de un título más que merecido: Patrona del hip hop iberoamericano. Sin duda, su presencia en escena es intimidante y su actitud arrasadora; sin embargo, cuando hoy La Mala habla de cerca, ese dejo fuerte de andaluza se torna en un susurro, en un tono dulce, inesperado e inocente con el que, más que palabras al aire, lanza lecciones de vida que delatan su esencia: “una mujer que expresa su arte sin miedo a ensuciarse”, como ella misma lo dice al describir su nueva faceta artística. -Revista Shock: Usted presenta este trabajo dentro de un marco de ciencia ficción, ¿por qué? -La Mala: La ciencia ficción me sugiere ubicarme en un tiempo alternativo a este, tomar las particularidades de ahora para llevarlas a otro momento. Sólo hay que ver cómo estamos ahora para hacernos una idea de lo que será nuestro futuro. -Dentro de este trabajo nos presenta a su tataranieta. ¿Quién es ella? -Ella es la gran inspiradora de esto. Llevo un año cantando, escribiendo y sintiendo nuevas melodías y líricas. Dentro de este proceso de creación tuve un encuentro con mi tataranieta y ella fue quien me dijo: “Hay luz al final del camino, hay una esperanza”. Veo un colapso y siento una ansiedad que me dice que todo se va a derrumbar, pero es ella quien me abre la ventana y me dice que hay esperanza y que hay que desterrar el miedo para siempre, porque cada paso que uno da, tiene que darlo con amor. Eso es lo único que nos ayudará. A esta tataranieta mía yo le puse Dirty Bailarina. ¡Ella tiene tantas cualidades que yo amo! Ingenuidad, atrevimiento, fuerza, entereza… Ella está viva, va pa’ lante y estoy muy honrada de que sea de mi familia. -En 'Nene', de este nuevo trabajo, se le ve romántica y pasional. ¿Por qué se atrevió a hablar esta vez de amor? -No me refiero a un amor romántico. Yo hablo del amor más grande que pueda existir, a eso que te une a la naturaleza, te acerca a la belleza, a la verdad más pura. Siempre digo que cuando di a luz a mi primer hijo sentí que podía ser la mamá de todo el mundo (risas). Y por ahí va la cosa: cuando sientes que cualquiera puede ser tu hermano, tu abuelo, tu tía, tu prima... Cuando uno actúa con benevolencia, compromiso y madurez, uno actúa de otra manera, y eso es lo que a mí me ha hecho reflexionar y compartir con ustedes las letras de Dirty Bailarina.
-No pidas perdón parece hacer una advertencia. ¿Hacia quién va? -En la canción, la madre de la que hablo, la que llora, es la Tierra. Lo único que digo es que no pidas perdón, mejor piensa, recapacita, estamos a tiempo. Pero no pasa nada, el amor no se va a extinguir, es una fuerza tan grande… Simplemente, ya nos encontraremos. -Para este cuarto álbum trabajó con Foccus, productor de grandes como Beyoncé y Christina Aguilera. ¿Qué aportó él a su nuevo sonido? -Mucho. Me enseñó un montón durante ese tiempo. Aportó una calidad tremenda a mi sonido. Tenía justo lo que yo quería. Muchas melodías de piano, un sonido limpio, y logró que mi voz se escuchara estupenda. Además, la combinación con la participación de Griffi (productor con el que ella suele trabajar) es un buen paquete porque él le mete suciedad y otro tipo de edición. -¿Y qué tal el trabajo de arte junto a Saudek? -Yo lo amo y esta vez quería hacer mi propia interpretación de Saudek. Su visión me ha ayudado a que el disco parezca de otro mundo. Estoy muy feliz de que ya esté acabado; que ya uno pueda tocarlo, sentirlo y escuchar completas las doce canciones como si fuera una historia que empieza y termina. -Hablando de colaboraciones, 'Dirty Bailarina' es puro power femenino. Hay colaboraciones con la rapera Mefe y la cantaora flamenca Estrella Morente. Musicalmente, ¿qué le atrae de ellas? -Adoro a Mefe. Es luz y tiene un potencial tremendo. Compartir con ella la canción Prima fue algo precioso. Hay muchas mujeres compitiendo unas con otras, cuando no estamos aquí para competir sino para apoyarnos las unas a las otras y aplaudirnos. En vez de envidiarnos, admirarnos. Y Estrella… bueno, ella representa para mí la raíz. Ella simboliza algo muy hondo que habita en mí. Ella está unida a esa Andalucía antigua que quería que estuviera presente en el álbum. De hecho, el tema que compartimos fue muy emocionante. Cada vez que conecto con la canción es momento de lagrimón. -¿En dónde esculca para sacar tantas palabras? -Alguien me ha dicho que tengo muchos muertos pegados que me dicen cosas y me utilizan para transmitir mensajes. Pero otras personas me dicen que eso se llama inspiración. Así que yo no sé. La cosa es que hay veces que yo me encuentro con lo divino. Y es divino cuando una persona como yo, que no soy más que nadie, escribe y se encuentra una cantidad de palabras que encajan y que realmente expresan una situación. -En sus canciones suele tocar temas con una fuerte carga social. ¿Qué piensa de la inmigración ilegal? Un tema muy recurrente en sus primeras producciones… -Simplemente digo que como ciudadana de este planeta, me parece de risa que una persona sea “ilegal”. O sea, ¿un ser humano puede ser ilegal? Pues sí, nena, eso pasa y es tristísimo, ¿no? Los pájaros, sin embargo, vuelan y van de aquí a allá cuando hace calor, y cuando hace frío vuelan otra vez a donde hace calorcito. Y nosotros, con miles de papeles y de historias, simplemente no podemos disfrutar de un techo y un poco de comida. -Usted siempre ha sido catalogada como la artista urbana por excelencia. Como una especie de callejera. ¿Hoy en día cómo se relaciona con la calle? -He vivido por muchos años en un barrio que se llama la Macarena en Sevilla. Un barrio muy alegre con carnicerías, fruterías, con muchos trabajadores y mucha musicalidad y callejuela. Yo siempre iba al colegio andando por callecitas muy chiquititas. Por eso, vi la drogadicción y, por desgracia, muchos amigos míos han tenido que convivir con eso, y eso a una le hace, le forma el carácter. Cuando ya tuve 19 años quise lanzarme a encontrar mi futuro y me fui pa’ Madrid a buscar oportunidades y a hacer música. Estuve viviendo en calles muy peligrosas… -¿Y por eso le dicen La Mala? ¿Quién le puso ese nombre? -Mi tía Sario… bueno, le dicen así pero se llama Rosario. Me puso así por ser una niña contestona. -¿La Mala es muy mala o cuál es su lado bueno? -Todos, todos son buenos. El lado malo es que cuando uno busca 24 horas, a veces encuentra cosas que no le gustan, pero esa es la vida: buscar. Yo vivo en plena búsqueda como artista, eso es lo único que alimenta mi alma, buscar la belleza en el arte. -¿Hay algo a lo que le tenga miedo? -No, miedo no. Yo no tengo miedo de nada, ni siquiera miedo mental, porque aunque lo más terrible ocurra, buscaré la manera de convertirlo en una flor. -Entonces, ¿el hip hop es su herramienta para hacer eso? -El hip hop es lo más real que hay como forma de expresión y para cualquier artista es maravilloso. Ya sea bailando, grafiteando o escribiendo, te ayuda a expresarte. Por eso adoro el hip hop. Está vivo.
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